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            <title type="text">Dominique Peccatte e la famiglia di archettai Peccatte</title>
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                                            Dominique Peccatte, François Peccatte e Charles Peccatte – Storia e importanza della grande famiglia francese di archettai Peccatte, archettai di Parigi e Mirecourt
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                 La famiglia di liutai Peccatte fu attiva dal 1830 al 1918 e influenzò la liuteria francese con opere che hanno lasciato un segno indelebile e sono ancora oggi molto ricercate da musicisti e collezionisti. Data la loro importanza per la storia dell&#039;artigianato artistico e della musica, sorprende che i Peccatte, a differenza di altre dinastie di liutai altrettanto influenti, come ad esempio la famiglia Knopf, non abbiano dato origine a una scuola propria. a differenza di altre dinastie di liutai altrettanto influenti, come ad esempio la famiglia  Knopf  di Markneukirchen in Sassonia, non abbiano instaurato relazioni familiari e di maestro-allievo molto ramificate. Tutto il loro peso poggia invece sull&#039;opera di soli tre maestri: Dominique Peccatte, suo fratello François Peccatte e il figlio di quest&#039;ultimo, Charles Peccatte, di cui François morì prima di poter raggiungere il pieno splendore. 
 Dominique Peccatte e la famiglia di liutai Peccatte: panoramica 
 
  Dominique Peccatte  
  I primi anni di Dominique Peccatte  
  Dominique Peccatte tra Parigi e Mirecourt  
  Opera e influenza di Dominique Peccatte  
  François Peccatte  
  Charles Peccatte  
  Charles Peccatte – prime influenze  
  „Peccatte à Paris“  
  Charles Peccatte ed Eugène Sartory  
 
 &amp;nbsp; 
 Dominique Peccatte (1810–1874) 
 Il giovane Dominique Peccatte presso J. B. Vuillaume 
 Dominique Peccatte (1810-1874) nacque nella città dei liutai  Mirecourt , ma iniziò la sua carriera professionale come apprendista parrucchiere e parrucchiere, seguendo le orme del padre secondo l&#039;antica tradizione. Poiché la famiglia era benestante e di ottima reputazione, non è facile capire perché il giovane Dominique Peccatte abbia deciso di abbandonare la strada che gli era stata tracciata ancora durante la sua formazione; tuttavia, la raccomandazione che Nicolas Vuillaume diede nel 1826 a suo fratello  Jean-Baptiste Vuillaume  dimostrò che aveva preso la decisione giusta.maestro-ritratti/jean-baptiste-vuillaume-note-sulla-vita-e-l&#039;opera&quot;&amp;gt;Jean-Baptiste Vuillaume, aprendo così al giovane talento le porte dell&#039;ambizioso laboratorio parigino di Vuillaume. 
 Presso Jean-Baptiste Vuillaume, Dominique Peccatte si dedicò alla liuteria sotto la guida di Jean Pierre Marie Persoit (ca. 1783 - ca. 1854) e trovò in questo ambiente stimolante eccellenti opportunità di sviluppo. Rimase dieci anni con Vuillaume, il cui apprezzamento per Peccatte è dimostrato, tra l&#039;altro, dal fatto che nel 1830 lo riscattò dal servizio militare obbligatorio. 
 Dominique Peccatte tra Parigi e Mirecourt 
 Nel 1836 Dominique Peccatte passò a François Lupot, probabilmente già con la prospettiva di rilevare un giorno il laboratorio del maestro ormai anziano, cosa che avvenne dopo la morte di Lupot nel 1838. Maestro esperto e maturo all&#039;apice della sua carriera, Dominique Peccatte si costruì rapidamente un&#039;ottima reputazione sia tra i musicisti che tra i più importanti liutai parigini; anche il suo scopritore, J. B. Vuillaume, era tra i suoi clienti. 
 Il proprio laboratorio fu anche il luogo in cui si ricongiunse con il fratello François Peccatte, che lavorò presso Dominique tra il 1841 e il 1843. François, seguendo l&#039;esempio del famoso Dominique, era diventato anch&#039;egli liutaio; ora poteva affinare le sue conoscenze lavorando con lui, gettando così le basi per una collaborazione professionale che si sarebbe intensificata negli anni successivi. La coincidenza con la morte del padre induce a speculare sui motivi e le ragioni di questo lungo soggiorno di lavoro; è certo però che in questi anni i fratelli collaborarono intensamente, come documentano diversi archi con l&#039;asta realizzata da uno e la paletta dall&#039;altro. Nel 1843 François tornò a Mirecourt, seguito nel 1847 da Dominique, dopo aver venduto il suo laboratorio parigino al suo collaboratore di lunga data Pierre Simon. Il suo patrimonio e i suoi affari ancora floridi permisero a Dominique Peccatte di dedicarsi maggiormente alla viticoltura e ad altre attività, senza abbandonare completamente la liuteria fino al suo pensionamento nel 1872, due anni prima della sua morte, avvenuta il 13 gennaio 1874. 
 Opera e influenza di Dominique Peccatte 
 Tra le influenze significative sull&#039;opera di Dominique Peccatte va sicuramente annoverato in primo luogo il suo maestro Jean Pierre Marie Persoit, nel cui lavoro si fondevano la tradizione dominante dell&#039;epoca di François Xavier Tourte e lo stile di François Lupot. 
 Con l&#039;apertura del proprio laboratorio, lo stile personale di Peccatte diventa evidente e, a partire dagli anni &#039;40 dell&#039;Ottocento, acquista rapidamente un&#039;influenza crescente sulla liuteria francese. Oltre alla forma caratteristica della testa a forma di ascia, spesso citata, i suoi lavori si distinguono per dettagli come le ganasce profondamente incise o le gambe elegantemente inclinate in avanti, ma anche per la sezione leggermente triangolare e allargata verso il basso delle sue aste rotonde, che acquisiscono così maggiore stabilità laterale. 
 Dominique Peccatte ebbe un&#039;influenza immediata sull&#039;opera di suo fratello François Peccatte, sul suo allievo Joseph Henry (1823-1870) e sul suo collaboratore e successore Pierre Simon (1808-1881). Solo in età avanzata suo nipote Charles Peccatte avrebbe cercato riferimenti stilistici nell&#039;opera dello zio e del padre François Peccatte, rendendo ancora più evidente la tradizione familiare dei Peccatte. 
 François Peccatte (1821-1855) 
 François Peccatte era il fratello minore di Dominique Peccatte, di 11 anni più giovane, e non è difficile immaginare che la sua decisione di intraprendere l&#039;apprendistato di archettaio sia stata influenzata dal buon esempio del fratello. Anche nella sua scelta di trasferirsi a Parigi seguì Dominique e probabilmente già prima del 1840 cercò di stabilirsi lì. Indipendentemente dai laboratori in cui abbia iniziato la sua carriera, il periodo trascorso con il fratello tra il 1841 e il 1843 fu la fase di maturazione che fece di François Peccatte il maestro eccezionale che era, o che avrebbe potuto diventare. 
 L&#039;inizio con la propria officina, dopo il ritorno a Mirecourt, fu promettente: quasi fin dall&#039;inizio riuscì ad assumere diversi collaboratori e sfruttò abilmente il vantaggio in termini di prezzi che il livello salariale di Mirecourt gli garantiva rispetto alla concorrenza parigina. Anche il fatto che, dopo il ritorno di Dominique Peccatte a Mirecourt nel 1847, continuò a gestire il suo atelier indipendentemente da lui, testimonia una situazione economica stabile: evidentemente non aveva bisogno di unirsi al fratello, che aveva raggiunto il benessere e si era affermato nel settore. Sono tuttavia note occasionali collaborazioni che indicano che questa decisione non era motivata da dissidi familiari. 
 Nel 1852 e nel 1853 François Peccatte tornò temporaneamente a Parigi, senza abbandonare la sua attività a Mirecourt, e per motivi sconosciuti lavorò per J. B. Vuillaume. 
 Il 30 ottobre 1855, la sua prematura scomparsa a Mirecourt pose fine a una carriera che era ancora molto promettente sia dal punto di vista commerciale che artistico. La differenza di età relativamente grande tra i due fratelli Peccatte avrebbe offerto l&#039;opportunità di riequilibrare la loro posizione sul mercato dei violini francesi di alta qualità; il grande talento di François Peccatte prometteva interessanti sviluppi dello stile familiare, che avrebbe potuto avere un impatto ancora maggiore se François avesse potuto formare buoni allievi e successori. 
 Charles Peccatte (1850-1918) 
 Charles Peccatte - prime influenze 
 Charles Peccatte (1850-1918) nacque a Mirecourt, figlio di François Peccatte e nipote di Dominique Peccatte. Dopo la morte prematura del padre nel 1862, si dedicò anch&#039;egli alla liuteria. Dopo l&#039;apprendistato presso il patrigno Auguste Lenoble (1828-1895), nel 1865 passò a J. B. Vuillaume, seguendo anche in questo caso l&#039;esempio familiare e sicuramente aiutato dai legami che François e Dominique avevano instaurato con Vuillaume e mantenuto sempre vivi. 
 Da Vuillaume, Charles Peccatte lavorò sotto la guida di  François Nicolas Voirin  (1833-1885). Sebbene l&#039;eredità dei due Peccatte più anziani fosse ancora viva nella liuteria francese e in particolare presso Vuillaume, Charles fu influenzato meno dalla tradizione familiare, breve ma potente, che da Voirin, che in quel periodo era la forza creativa e determinante della liuteria nella casa Vuillaume. tradizione familiare, quanto da Voirin, che in quel periodo era la forza creativa e trainante della liuteria nella casa Vuillaume. 
 „Peccatte à Paris“ 
 Nel 1870 Charles Peccatte lasciò il laboratorio Vuillaume e cercò di mettersi in proprio, un progetto che, per ragioni sconosciute, ebbe solo un successo limitato. Il marchio “PECCATTE A PARIS”, che utilizzò per la prima volta in questo periodo, sarebbe presto scomparso per molti anni. Nel 1874 rientrò nell&#039;officina di Auguste Lenoble e fino al 1880 circa lavorò part-time come impiegato per mantenere la sua famiglia. 
 Con il trasferimento nei pressi dell&#039;Opera di Parigi, la situazione migliorò gradualmente; i lavori di Charles Peccatte ottennero il riconoscimento che il suo grande nome prometteva, documentato da una medaglia d&#039;argento ad Anversa nel 1885 e un&#039;altra nel 1899 a Parigi. Dal 1900 non riuscì più a far fronte da solo alle commesse in arrivo e si fece aiutare da colleghi in parte rinomati. 
 Ma anche la sua arte personale raggiunse in questo periodo il suo apice e il marchio “PECCATTE A PARIS” acquisì, quasi 30 anni dopo il suo primo utilizzo, una nuova ragion d&#039;essere e un nuovo significato: quello di marchio distintivo dei prodotti dell&#039;officina di Charles Peccatte. Questo periodo di grande successo e creatività durò fino al 1910, ma è probabile che Peccatte abbia continuato a lavorare fino alla sua morte, avvenuta il 22 ottobre 1918. 
 Charles Peccatte ed Eugène Sartory 
 Tra gli assistenti che Charles Peccatte impiegò nella sua fase più prolifica c&#039;era anche  Eugène Sartory  (1871-1946), i cui primi lavori furono fortemente influenzati dal suo committente e possono essere considerati il più importante rapporto maestro-allievo di Charles Peccatte. Poiché l&#039;opera di Peccatte in questo periodo era caratterizzata da un certo ritorno all&#039;eredità artistica del padre e dello zio, riconoscibile ad esempio in un&#039;esecuzione leggermente più marcata delle curve rispetto al modello influente e più snello di Lamy –, non sembra del tutto ingiustificato tracciare una delicata linea di tradizione che va da Dominique e FrançPeccatte, passando per Charles Peccatte, fino ad Eugène Sartory. 
 Originally published by Corilon violins. 
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            <title type="text">La famiglia di liutai Knopf di Markneukirchen</title>
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                                            I archettai della famiglia Knopf di Markneukirchen – panoramica storica e note sulla vita e l&#039;opera dei loro maestri più importanti
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                 I archettai della famiglia Knopf di Markneukirchen: una panoramica storica e appunti sulla vita e l&#039;opera dei loro maestri più importanti. 
 I archettai Knopf della Germania 
 
  Christian Wilhelm Knopf (1767–1837)  
  Le origini della famiglia Knopf  
  Christian Wilhelm Knopf come archettaio  
  La seconda generazione della famiglia di archettai Knopf  
  Maestri eccellenti della terza generazione Knopf  
  Johann Wilhelm Knopf (1835–1915)  
  Carl Heinrich Knopf (1839–1875)  
  Heinrich “Henry” Richard Knopf e la quarta generazione della famiglia Knopf  
  Linea collaterale: altri membri della dinastia Knopf  
  La “dinastia Herrmann Knopf” – un&#039;aggiunta genealogica  
 
 Christian Wilhelm Knopf (1767–1837) 
 Nel 1767, anno in cui nacque Christian Wilhelm Knopf, capostipite dell&#039;influente dinastia di archettai Knopf, la regione intorno alla sua città natale,  Markneukirchen , era già nel pieno di quello storico boom che avrebbe trasformato il tranquillo “angolo musicale” boemo-sassone in un centro globale per la costruzione di strumenti musicali. Questo sviluppo caratterizza anche la biografia di Knopf e si riflette in alcune deviazioni che questa grande personalità dell&#039;artigianato artistico tedesco dovette compiere prima di trovare la sua vocazione come archetaio.&amp;nbsp;    
 Le origini della famiglia Knopf 
 All&#039;epoca, la sua famiglia era già da almeno una generazione attratta dal fascino economico dei mestieri artigianali in piena rinascita e dalle opportunità commerciali ad essi collegate: mentre gli antenati di Knopf erano prevalentemente sarti (ed è del tutto possibile che il cognome rifletta un legame di lunga data dei suoi antenati con questo settore professionale), verso la metà del XVIII secolo la famiglia si era già dedicata al commercio di violini e alla fabbricazione di corde, attività con cui anche il giovane Christian Wilhelm Knopf si guadagnava parte del sostentamento. Il fatto che tali attività di fornitura non fossero particolarmente redditizie è dimostrato in modo impressionante dalla sua seconda professione di soldato (moschettiere), che esercitava ancora al momento del suo matrimonio nel 1791. Anche la fine ingloriosa di suo padre Johann Gottlob Knopf (1732-1786) offre uno spaccato delle condizioni sociali dei Knopf in quel periodo: Dopo essere caduto ubriaco e morto mentre tornava a casa dalla “Bierhauße”, il registro dei decessi riporta che “non aveva condotto una vita buona”, un&#039;espressione ambigua che getta un&#039;ombra sugli inizi di questa gloriosa storia familiare. 
 Christian Wilhelm Knopf come arciere 
 Non è noto se Christian Wilhelm Knopf abbia imparato il mestiere di archettaio da suo padre; vi sono infatti indizi che anche lui si fosse già occupato della costruzione di archi per strumenti a corda, ma non sono stati tramandati lavori di sua mano ed è incerto se avrebbe potuto insegnare questa arte a suo figlio. Rimane quindi un mistero chi sia stato il maestro di Christian Wilhelm Knopf e quali influenze abbia ricevuto, una lacuna deplorevole vista la grande importanza della sua opera per la&amp;nbsp;archeteria tedesca ed europea. Tuttavia, dalle sue opere si può dedurre che il suo lavoro fu ispirato da  John Dodd  (1752-1839) e, ancora di più, da  François Xavier Tourte  (1747-1835), modelli ai quali riuscì rapidamente ad avvicinarsi grazie al suo spiccato talento. Celebrato dai contemporanei come il “Tourte tedesco”,  Christian Wilhelm Knopf  ha effettivamente influenzato in modo duraturo la storia della archeteria: con innovazioni come la guida del tallone in metallo, con miglioramenti alla vite, con i suoi lavori ancora oggi molto richiesti e con l&#039;ispirazione e la conoscenza che ha trasmesso ai posteri, non da ultimo attraverso i suoi quattro figli, che hanno tutti raccolto la sua eredità artigianale. 
 La seconda generazione della&amp;nbsp;famiglia di fabbrici di archi Knopf 
 Christian Wilhelm Knopf jun. (1799-1835), Karl Wilhelm Knopf (1803-1860), Christian Friedrich Wilhelm Knopf I. (1808-1874) e il fratello minore omonimo Christian Friedrich Wilhelm Knopf II (1815-1897) ampliarono l&#039;attività avviata dal padre e si guadagnarono una buona reputazione con i loro lavori, ancora fortemente ispirati a Tourte, che aggiunsero un nuovo e importante settore alla già diversificata produzione di strumenti musicali sassoni. La costruzione di archi per strumenti ad arco, a cui nel 1790 era stata negata la fondazione di una propria corporazione a Markneukirchen, divenne, non da ultimo grazie al loro lavoro, un mestiere riconosciuto, i cui migliori maestri riuscirono a dare un&#039;impronta di livello internazionale. 
   Albero genealogico della famiglia Knopf, fabbricanti di archi a Markneukirchen 
 Maestri eccellenti della terza generazione dei Knopf 
 Johann Wilhelm Knopf (1835-1915) 
 Verso la metà del XIX secolo, la famiglia Knopf aveva ormai abbandonato da tempo il mestiere di sarto, la fabbricazione di corde e le difficoltà dei tempi passati. Formati dalla generazione dei padri, nei loro laboratori ben avviati maturarono i successori che promettevano di stabilire nuovi standard artistici e commerciali. Johann Wilhelm Knopf, figlio di Karl Wilhelm Knopf, godeva di un&#039;ottima reputazione che quasi eclissava il nome del nonno. Dopo l&#039;apertura del suo laboratorio a Dresda nel 1884, pose le basi della archeteria tedesca, che recano il marchio “W. KNOPF DRESDEN”. 
 Carl Heinrich Knopf (1839-1875) 
 La tradizione familiare dei Knopf nella costruzione di archi raggiunse un altro apice con Carl Heinrich Knopf, un altro figlio di Karl Wilhelm Knopf, che come suo fratello Johann Wilhelm era stato formato da suo zio Christian Friedrich Wilhelm Knopf II. I suoi anni di viaggio lo portarono nientemeno che da  Ludwig Bausch  a Lipsia, da dove tornò a Markneukirchen nel 1859. Nel 1860, dopo la morte del padre, assunse la direzione della bottega Knopf, che all&#039;epoca riforniva clienti illustri, tra cui Richard Weichold a Dresda, Ludwig Bausch &amp;amp; Sohn a Lipsia, persino Charles Bruno a New York e Nikolai Kittel a San Pietroburgo. 
 Numerosi riconoscimenti in concorsi nazionali e internazionali confermarono l&#039;eccellente reputazione di Carl Heinrich Knopf, che era da tempo considerato uno dei migliori maestri nella sua arte e che ha lasciato al mondo della musica opere che, con le loro caratteristiche musicali e la loro splendida fattura, non hanno eguali fino ai giorni nostri. Nel 1868 trasferì il suo laboratorio a Dresda e poco dopo a Berlino, dove lavorò fino alla sua prematura scomparsa all&#039;età di quasi 36 anni. Oltre a un gran numero di archi di altissima qualità, sono stati tramandati anche circa 30 violini di sua fattura. 
 Heinrich “Henry” Richard Knopf e la quarta generazione della famiglia Knopf 
 I figli di Carl Heinrich Knopf, Albert Knopf (1863-1884) e Heinrich “Henry” Richard Knopf (1860-1939), dopo la morte del padre non rimasero in Germania e si trasferirono negli Stati Uniti. Entrambi erano artigiani di talento che si dedicarono alla costruzione di archi e violini. Dopo aver ricevuto un&#039;ottima formazione, inizialmente secondo la tradizione di famiglia con il padre e i suoi fratelli, Henry perfezionò la sua arte con Otto Bausch a Lipsia e G. Christian Adam, insegnante berlinese di Oswald Möckels. Dopo il 1880 entrambi si trasferirono a New York, dove però Adam morì di tubercolosi solo quattro anni dopo. Heinrich “Henry” Richard Knopf fu uno dei primi liutai di New York City e si affermò con grande successo nell&#039;ambiente dell&#039;orchestra del Metropolitan Opera. Dalla sua mano estremamente produttiva sono stati tramandati circa 450 strumenti a corda e circa 1.000 archi, questi ultimi recanti il marchio “H. R. KNOPF.NEW YORK”. I suoi lavori successivi nella costruzione di archi rivelano la forte influenza di  Eugène Sartory , di cui divenne il primo rappresentante negli Stati Uniti, e furono molto richiesti dai solisti più importanti dell&#039;epoca. 
 Con la Grande Depressione, anche per un laboratorio così rinomato le condizioni commerciali peggiorarono a tal punto che nel 1929 Heinrich “Henry” Richard Knopf decise di porre fine alla storia della famiglia di archettai Knopf dopo oltre 100 anni. Vendette il suo laboratorio a  Rembert Wurlitzer ; i suoi due figli intrapresero altre professioni. 
 Linea collaterale: altri membri della dinastia Knopf 
 Come Albert e Heinrich “Henry” Knopf, anche altri membri della quarta generazione dei Knopf e di altri rami della famiglia hanno completato la loro formazione nelle officine di famiglia dei loro padri e zii, dove sono diventati maestri di successo sia nella costruzione di violini che di archi: 
 
 Christian Wilhelm Knopf (1856-1882) era un archetista; figlio di Christian Friedrich Wilhelm Knopf II, ebbe un destino tragico e trascorse gran parte della sua vita in un istituto per malati mentali. 
 August Ferdinand Muck (1866-1937), figlio di Christian Friedrich Wilhelm Knopf II, imparò la archeteria dal fratello omonimo di suo padre. 
 August Moritz Knopf (1857-1899) proveniva da un altro ramo della famiglia, che risaliva a Johann Georg Knopf jun. (1767-1829), fratello di Christian Wilhelm Knopf. Era uno dei membri più importanti della famiglia e lavorò a Dresda per Richard Weichold, Louis Lowenthal e Julius H. Zimmermann a Mosca. 
 
 La “dinastia Herrmann-Knopf” – un&#039;aggiunta genealogica 
 Sebbene la storia della dinastia Knopf si concluda nel 1929 con la cessazione dell&#039;attività di Heinrich “Henry” Richard Knopf, esiste ancora un legame tra questo importante capitolo della storia della musica e il presente. Il matrimonio tra Carolina Wilhelmine Knopf (1832-1917) e Christian Friedrich Herrmann (1819-96) creò un legame tra queste due  grandi famiglie di archettai di Markneukirchen , il cui retaggio vive ancora oggi nell&#039;officina di Michael Mönnig, pronipote della coppia, e di suo figlio Thomas Mönning. 
 Originally published by Corilon violins. 
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            <title type="text">Lorenzo Storioni: L&#039;ultimo grande cremonese</title>
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                                            Lorenzo Storioni, celebre liutaio cremonese, ha realizzato strumenti unici ancora oggi apprezzati per il loro suono ricco e la loro duratura influenza.
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                  Lorenzo Storioni, uno degli ultimi grandi liutai di Cremona, ha realizzato strumenti ancora oggi molto apprezzati. Scoprite di più sul suo inconfondibile approccio artistico, sulla sua influenza duratura e sul motivo per cui i violini di Lorenzo Storioni sono ancora molto richiesti da musicisti e collezionisti.  
  Lorenzo Storioni (1744-1816),&amp;nbsp; liutaio italiano, è stato uno degli ultimi grandi liutai della scuola cremonese, dopo l&#039;epoca d&#039;oro di artigiani leggendari come  Antonio Stradivari  e Giuseppe Guarneri. Nato e cresciuto a Cremona, lui è ampiamente considerato una figura chiave nel mondo della liuteria grazie al suo approccio distintivo e alle sue tecniche innovative.&amp;nbsp; 
   
 I violini di Lorenzo Storioni sono noti per l&#039;audace maestria e per il design leggermente anticonvenzionale rispetto ai suoi predecessori. Storioni ha abbracciato un approccio più sperimentale, allontanandosi spesso dagli standard levigati e impeccabili dei precedenti maestri cremonesi. I suoi strumenti hanno un carattere distintivo con caratteristiche leggermente asimmetriche, che conferiscono loro un aspetto più robusto e individualistico. Ciò ha fatto sì che i suoi violini si distinguessero e ha contribuito al loro fascino duraturo tra i musicisti e i collezionisti. 
 Lorenzo Storioni lavorava spesso con legni di provenienza locale, utilizzando abete rosso per la tavola superiore e acero per il fondo e le fasce. I suoi violini sono noti per il loro suono ricco e caldo, che deriva dalla sua precisa tecnica di verniciatura e dalla sua capacità di lavorare il legno in modo da migliorare la risonanza acustica. Il lavoro di Storioni è riconoscibile anche per la sua vernice spessa e scura, spesso di colore bruno-rossastro o dorato, che aggiungeva fascino estetico e protezione funzionale. 
 L&#039;influenza di Storioni sui liutai moderni 
 Sebbene Storioni sia talvolta considerato l&#039;ultimo anello della catena della liuteria cremonese, la sua influenza continua a riverberarsi nella liuteria moderna. La sua volontà di sperimentare e di rompere con la tradizione ha ispirato le future generazioni di liutai a innovare e a sviluppare i propri stili, pur rispettando i principi fondamentali del suono e della costruzione. 
 Perché i violini di Lorenzo Storioni sono ancora oggi ricercati 
 Nonostante siano stati creati oltre due secoli fa, i violini di Storioni sono ancora molto apprezzati da musicisti professionisti e collezionisti. I suoi strumenti, pur essendo in numero minore rispetto ad altri costruttori cremonesi, sono rinomati per la loro qualità tonale e per l&#039;estetica unica. Oggi i violini di Lorenzo Storioni si trovano nelle mani di interpreti d&#039;élite e sono spesso presenti in aste prestigiose, con prezzi elevati.    
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 Fatti salienti su Lorenzo Storioni:&amp;nbsp; 
 
 Lorenzo Storioni (1744-1816) fu un importante liutaio di Cremona. 
 I suoi violini sono noti per il design audace e sperimentale e per il suono ricco. 
 Gli strumenti di Storioni sono tuttora molto apprezzati da musicisti e collezionisti. 
 I violini di Lorenzo Storioni sono una testimonianza della bellezza duratura della liuteria italiana. 
 
 &amp;nbsp; 
 Lorenzo Storioni non sarà famoso come Stradivari o Guarneri, ma il suo contributo all&#039;arte della liuteria rimane inestimabile. Il suo stile inconfondibile, le sue tecniche innovative e la sua influenza duratura lo rendono una delle figure più importanti nella storia dell&#039;artigianato degli strumenti ad arco.&amp;nbsp; 
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                            <updated>2021-10-19T00:45:00+02:00</updated>
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            <title type="text">La famiglia Gagliano e la liuteria a Napoli</title>
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                                            Gagliano - una breve storia della famiglia liutaria napoletana e la vita di Alessandro Gagliano, Nicolò Gagliano e Gennaro Gagliano
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                  La famiglia di liutai Gagliano occupa un posto speciale nella storia del loro mestiere: Grazie all&#039;arte superiore e alla forza innovativa dei maestri delle loro file, grazie alla continuità insolitamente lunga della loro tradizione familiare - e grazie a molti strumenti dal suono eccellente che hanno contribuito a definire il concetto di violino italiano e, nelle mani di solisti di prima classe, arricchiscono anche il mondo musicale dei nostri giorni.  
 La famiglia di liutai Gagliano: panoramica 
 
  Alessandro Gagliano - capostipite della famiglia e fondatore della liuteria a Napoli  
  Nicolò Gagliano (Nicolo I) e l&#039;eredità dei violini Stradivari  
  Gennaro Gagliano - il fratello  
  Ferdinando, Antonio e Giuseppe Gagliano - la terza generazione  
  Giovanni Gagliano (Giovanni I) «il nipote» e la quarta generazione della famiglia di liutai Gagliano  
 
 Alessandro Gagliano - capostipite della famiglia e fondatore della liuteria a Napoli 
 Alessandro Gagliano è il capostipite della dinastia liutaria Gagliano ed è considerato il fondatore della liuteria nella sua città natale, Napoli. Come per molte grandi figure della storia della liuteria, ci sono numerose leggende che lo circondano e le origini della sua arte. Per esempio, il principe russo, diplomatico e collezionista d&#039;arte Nikolai Borisovich Jussupov - che incidentalmente appartiene alla ristretta cerchia di proprietari del famoso violino «Ex-Lipiński» di  Guarneri del Gesù  - ha tramandato la divertente storia di un duello che vinse, Dopo di che il giovane Alessandro dovette nascondersi nelle foreste del nord Italia e passare il tempo lì con i suoi primi tentativi di costruzione di strumenti - diventando alla fine un apprendista di niente meno che  Antonio Stradivari  a Cremona. Anche se questa storia di fuga non è mai stata presa molto sul serio, l&#039;ipotesi di un apprendistato con Stradivari è rimasta a lungo nella letteratura - supportata dalle note di Alessandro Gagliano sulle quali si definisce orgogliosamente «Alumnus Stradivarius». Tuttavia, vista l&#039;indipendenza del suo modello di violino e dei suoi metodi di lavoro, questa opinione oggi non è più valida. 
 Come molti altri dettagli sulle biografie dei Gagliano, i cui dati biografici sono rimasti in gran parte inesplorati fino a tempi relativamente recenti, la questione di con chi Alessandro Gagliano abbia imparato il suo mestiere rimane per ora aperta. Forse furono maestri di Füssen come Jacob Diefenbrunner o Christoph Railich a lavorare come liutai a Napoli e potrebbero quindi essere considerati i predecessori e gli insegnanti di Alessandro Gagliano - tuttavia, non ci sono prove note per queste ipotesi. 
 Nicolò Gagliano (Nicolo I) e l&#039;eredità dei violini Stradivari 
  Nicolò Gagliano  (Nicolaus Gagliano) è considerato il più importante liutaio della sua famiglia, anche se suo fratello Gennaro e suo figlio Giuseppe non gli sono certo inferiori come maestri di rango storico e stilistico. In contrasto con suo padre e maestro Alessandro, il cui modello di violino non mostra alcuna influenza significativa dalla  tradizione liuteria cremonese , il lavoro della vita di Nicolò Gagliano si presenta come un&#039;esplorazione del modello Antonio Stradivari, caratterizzato da una profonda comprensione e da una congeniale innovazione. Il suo lavoro ha raggiunto degli standard a causa dei quali alcuni dei suoi violini sono stati a lungo ritenuti autentiche opere di Stradivari. Il fatto che la sua specifica realizzazione sia giunta all&#039;attenzione dei ricercatori relativamente tardi, tuttavia, non ha diminuito l&#039;eccellente reputazione che i suoi violini e, non ultimo, i suoi pochi violoncelli sopravvissuti godono nel mondo della musica fino ad oggi. 
   
 Gennaro Gagliano - il fratello 
 Gennaro Gagliano (Januarius Gagliano) è talvolta tenuto in maggiore considerazione dagli esperti rispetto a suo fratello maggiore Nicolò, ma la classifica di queste personalità storiche della liuteria è una questione di secondaria importanza in vista della qualità delle loro opere. Entrambi i fratelli condividono un orientamento verso il modello dei grandi maestri cremonesi, anche se la creatività di Gennaro si esprime meno in un ulteriore sviluppo del potente modello stradivariano che in uno stile più personale - i cui elementi inconfondibili includono in particolare il gioco di colore nella sua vernice. Inoltre, Gennaro sembra essere stato più interessato al modello di violino di Amati che a Nicolò - per quanto gli strumenti sopravvissuti permettano una tale conclusione. 
 Entrambi i fratelli alla fine si dedicarono con grande successo alla costruzione di violoncelli di prima classe e non solo costruirono strumenti di questo genere che sono ancora oggi tra le migliori realizzazioni del loro genere, ma definirono anche un modello più stretto che sarebbe diventato caratteristico della liuteria napoletana. 
 Ferdinando, Antonio e Giuseppe Gagliano - la terza generazione 
 Nel lavoro dei tre figli di Nicolò Gagliano, la tradizione artigianale della famiglia Gagliano si afferma e matura nella scuola napoletana, che stabilisce il rango di Napoli come secondo centro storico della liuteria italiana, subito dopo Cremona. Ferdinando, Antonio e  Giuseppe Gagliano  si sono formati in una bottega di liuteria che era una delle più importanti del mondo. Anche senza informazioni dettagliate sulla collaborazione tra le due generazioni, Ferdinando sembra essere stato apprendista non di suo padre ma di suo zio Gennaro, il cui stile e metodi di lavoro sono chiaramente evidenti negli strumenti di Ferdinando - a differenza di Giuseppe, che ha imparato la sua arte da suo padre Nicolò. 
 Ma per tutta la continuità, questa generazione pose anche i propri accenti e li portò stabilmente nella tradizione napoletana, come la forma tipicamente curva della cassa a pioli con una delicata voluta, che risale a Giuseppe Gagliano e fu citata a Napoli fino al XX secolo. 
 Giovanni Gagliano (Giovanni I) «il nipote» e la quarta generazione della famiglia di liutai Gagliano 
 Anche se Giovanni Gagliano, come figlio di Nicolò, apparteneva alla terza terza generazione della sua famiglia, è spesso annoverato nella letteratura come appartenente alla quarta; da un lato, perché tutti i loro rappresentanti sono suoi figli, dall&#039;altro, perché la relazione tra la sua opera e la loro è molto più stretta che con quella dei suoi fratelli. 
 Caratteristica della quarta generazione della famiglia di liutai Gagliano è una certa tendenza verso processi più semplici, più efficaci e quindi più economici. Le concessioni alla qualità dei legni utilizzati, i dorsi senza intarsi, la minore attenzione ai dettagli nella lavorazione dei bordi o sulla cassa e la voluta non sono probabilmente dovuti a una mancanza di talento o di formazione, ma piuttosto devono essere visti come concessioni pragmatiche al tempo della manifattura emergente alla fine del XVIII e all&#039;inizio del XIX secolo e corrispondono alle condizioni del mercato in ulteriore sviluppo. 
 Ciononostante, lo stile tipico della famiglia brilla ancora nelle opere individuali, e molti di questi strumenti più semplici, spesso descritti come deboli di carattere e superficiali, sorprendono con il loro ottimo suono italiano. Essi mostrano a loro modo che Giovanni aveva certamente trasmesso ai suoi discendenti l&#039;eredità di un&#039;eccellente educazione presso lo zio Gennaro - a causa della quale egli si definiva anche «il nipote di Gennaro - Nepos Januarius» sui suoi foglietti. 
 Con Vincenzo Gagliano, figlio di Raffaele e pronipote di Alessandro Gagliano, che si dedicò alla fabbricazione di corde, la famiglia lasciò finalmente la liuteria dopo quasi 200 anni. 
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            <title type="text">Giovanni Paolo Maggini - Note sulla vita e l&#039;opera</title>
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                                            Il Liutaio Giovanni Paolo Maggini (1580 - 1632) e la prima liuteria italiana a Brescia - Note sulla vita e il lavoro di una figura chiave nella storia della liuteria
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                  Giovanni Paolo Maggini (1580 - 1632),  liutaio a Brescia,&amp;nbsp;i è una delle figure storiche influenti della prima liuteria italiana e, insieme al suo maestro Gasparo da Salò, il secondo grande maestro della scuola di&amp;nbsp; Brescia . 
   
 Giovanni Paolo Maggini – Vita e opere: panoramica 
 
  Giovanni Paolo Maggini e la prima liuteria italiana  
  G. P. Maggini come allievo di Gasparo da Salò  
  Il violino Maggini: Epoche nella biografia dell&#039;opera di G. P. Maggini  
  La morte e l&#039;eredità di Giovanni Paolo Maggini  
 
 Giovanni Paolo Maggini e la prima liuteria italiana 
 Giovanni Paolo Maggini è nato nel 1580 nella piccola città lombarda di Botticino di Sera, vicino a Brescia. All&#039;età di appena otto anni, lasciò le modeste condizioni della casa dei genitori per imparare il mestiere di liutaio da Gasparo da Salò - e alla fine diventare lui stesso uno dei più importanti maestri del suo tempo. Il notevole sviluppo di Maggini, il suo evidente successo nel mondo musicale dell&#039;inizio del XVII secolo e la sua fama che continua ancora oggi sono caratteristici di quest&#039;epoca della storia degli strumenti musicali, in cui il violino cominciò ad emanciparsi dai suoi predecessori tardo-medievali, le viole e gli strumenti della famiglia della viola da braccio, per trovare finalmente nell&#039;opera del cremonese  Antonio Stradivari  la definizione fondamentale dei suoi principi costruttivi che sono validi ancora oggi. 
 Alimentata dalla fiorente cultura musicale del primo periodo barocco, la liuteria offrì ad artigiani di talento come G. P. Maggini e il suo maestro Gasparo da Salò, che è uno dei primi liutai conosciuti in senso stretto, la prospettiva di guadagnarsi da vivere in modo così sostanzioso da avere spazio sufficiente per le sperimentazioni che permisero al modello del violino di maturare nel giro di pochi decenni - il che incoraggiò ancor di più la richiesta di strumenti ad arco sempre migliori e ancora più splendidamente equipaggiati. 
 G. P. Maggini come allievo di Gasparo da Salò 
    Nel 1588, in giovane età, Giovanni Paolo Maggini arrivò come apprendista presso l&#039;affermato Gasparo Bertolotti, detto da Salò, la cui bottega bresciana era famosa oltre i confini italiani per i suoi strumenti innovativi e dal bel suono. Non si sa perché fu scelta questa professione per il ragazzo e chi gli aprì la porta per un apprendistato in questa rinomata casa. Sappiamo, tuttavia, che Maggini rimase con da Salò fino all&#039;età di 21 anni, durante i quali ricevette una delle migliori educazioni che un liutaio del suo tempo potesse desiderare. 
 Epoche nella biografia dell&#039;opera di G. P. Maggini 
 Come apprendista e collaboratore di da Salò, Giovanni Paolo Maggini era naturalmente legato alle procedure e alle linee guida del maestro, ma anche la prima fase del suo lavoro indipendente è ancora chiaramente influenzata dal modello violinistico del suo maestro. Non si fa troppo torto al giovane maestro Maggini se si considera questa come una decisione del tutto pragmatica - dopo tutto, il modello di da Salò era ben affermato sul mercato internazionale; e il fatto che G. P. Maggini non si sia preoccupato troppo della scelta del legno e dei dettagli strutturali in questo periodo probabilmente non parla di una mancanza di formazione o di talento, ma piuttosto di un certo pragmatismo con cui ha costruito la sua esistenza economica. 
 I primi esperimenti con diversi legni, compresi materiali inusuali come il pioppo, il sicomoro, il noce e il pero, preannunciano la seconda fase del suo lavoro, in cui Giovanni Paolo Maggini lavora a una riformulazione completa del violino come un tipo di strumento ancora giovane. Opere riccamente decorate con magnifici intarsi, alcuni dei quali in madreperla e avorio, rappresentano l&#039;ulteriore sviluppo estetico dell&#039;arte di G. P. Maggini, mentre un modello di violino relativamente grande, inizialmente ad arco più alto e successivamente appiattito, rappresenta il suo grande interesse per un tono più potente. 
 Da questi esperimenti e da un presunto studio ravvicinato delle opere della  famiglia Amati a Cremona  - Maggini era contemporaneo del grande Nicolà Amati, di 16 anni più anziano di lui, e quindi occupa un&#039;interessante posizione intermedia tra le generazioni in termini puramente biografici - nacque finalmente il violino maturo di Giovan Paolo Maggini con le sue costole basse, le buche allungate di una forma inconfondibile e la spesso doppia filettatura che sarebbe diventata una caratteristica spesso copiata del suo stile dai liutai successivi. Più decisivo per il suono di questi violini, tuttavia, è che Maggini aveva studiato, calcolato e ottimizzato la corretta distribuzione dello spessore della tavola e del fondo in dettaglio nel corso degli anni. 
   
 La morte e l&#039;eredità di Giovanni Paolo Maggini 
 Quando G. P. Maggini cadde vittima della peste nel 1632, la sua bottega fu presumibilmente rilevata da Santo de Santis, un amico, che da allora in poi continuò a gestirla con il nome di «Pietro Santo Maggini» e fu a lungo ritenuto nella letteratura un figlio di Maggini. Una delle domande senza risposta dell&#039;eredità di Maggini è fino a che punto Pietro Santo, un abile falegname, costruisse da solo gli strumenti - o se fosse in grado di attingere a una più ampia eredità di lavori finiti o semi-finiti. 
 Mentre l&#039;impatto immediato di Giovanni Paolo Maggini sulle generazioni successive è in gran parte oscuro, dato che nessuno dei suoi allievi raggiunse un&#039;importanza capitale, la ricerca presuppone comunque che il lavoro di Maggini abbia avuto un&#039;influenza più che marginale sul lavoro dei «concorrenti» cremonesi Andrea  Guarneri  - nonno del famoso del Gesù - e Antonio Stradivari. Come la maggior parte dei vecchi classici italiani, Giovanni Paolo Maggini fu inizialmente dimenticato quando il modello di violino di  Jakob Stainer  esercitò la sua influenza dominante sull&#039;epoca barocca, ma trovò un nuovo apprezzamento con il ritorno alle radici lombarde della liuteria, che si espresse non da ultimo nelle frequenti imitazioni dell&#039;ornamentazione unica di Maggini dall&#039;inizio del XIX secolo. 
 Originally published by Corilon violins. 
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            <title type="text">Antonio Stradivari - una storia di suoni e riverberi</title>
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                                            Antonio Stradivari è considerato la misura storica di tutte le cose in liuteria. Cosa sappiamo del maestro Stradivari e qual è il segreto del violino Stradivari?
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                  Antonio Stradivari (circa 1644–1737, Cremona) è stato uno dei liutai storicamente più influenti e il modello violino Stradivari ha definito gli standard della liuteria che sono ancora oggi fondamentali. Il suo ultimo lavoro fu una rivoluzione artistica; il suono incomparabilmente buono dei suoi violini Stradivari ha occupato liutai e ricercatori per generazioni.  
 Come è nato il suo ingegnoso e influente modello di violino - e perché i violini Stradivari sono tra gli strumenti ad arco più costosi in commercio oggi?&amp;nbsp; 
   
 Antonio Stradivari, Cremona: panoramica 
 
  Stradivari e Amati - dove ha imparato Antonio Stradivari?  
  AIl modello di violino di Antonio Stradivari  
  Il mistero di Antonio Stradivari &amp;nbsp; 
  Panoramica: Fasi nel lavoro di Antonio Stradivari &amp;nbsp; 
  Omobono Stradivari e Francesco Stradivari: Gli eterni principi della corona  
  L&#039;ultimo autentico Stradivari  
  Stradivari alla catena di montaggio: l&#039;inflazione di un marchio  
  Quanto costa un autentico Antonio Stradivari?  
  Gli eredi di Stradivari: Grandi successori del Maestro  
 
 Antonio Stradivari e la rivoluzione musicale di Cremona 
 La storia della vita di  Antonio Stradivari &amp;nbsp;(Antonius Stradivarius)&amp;nbsp;si riferisce a un&#039;epoca di profondi sconvolgimenti, e per la sua sola lunghezza biblica di ben oltre 90 anni rappresenta più di un&#039;epoca nella storia della musica europea. Come in tante grandi storie antiche, anche questa narrazione ha delle lacune che la ricerca storica non è ancora riuscita a colmare. Per esempio, è giustamente deplorevole che non si conosca con certezza l&#039;anno di nascita di quello che è probabilmente il più grande liutaio della storia; se si seguono le informazioni di Stradivari stesso su un&#039;etichetta di un violino del 1727 - sulla quale Stradivari annotò di aver costruito lo strumento a 83 anni - si può dedurre l&#039;anno 1644. 
   
 Era l&#039;epoca della dominazione spagnola in Italia, di cui  Cremona  soffrì tanto quanto le conseguenze sociali ed economiche delle grandi epidemie di peste degli anni 1630. In questa situazione, la famiglia di Antonio Stradivari - una delle famiglie più antiche della città - aveva lasciato Cremona per cercare sicurezza altrove. Probabilmente per questo motivo, la nascita di Antonio Stradivari non è registrata in nessun libro di chiesa conosciuto. 
 Stradivari e Amati - dove ha imparato Antonio Stradivari? 
 Allo stesso modo, non ci sono prove significative in quali circostanze e con quale maestro Antonio Stradivari imparò la liuteria e il violino. Ha prima completato un apprendistato di falegnameria? E il maestro di Stradivari era in realtà il grande Nicolò Amati a Cremona? Stradivari stesso sembra indicare questo quando si riferisce a se stesso come &quot;Alumnus Nicolai Amati&quot; su ulteriori note dei suoi primi violini. Ma si tratta davvero di un rapporto maestro-allievo, o il giovane liutaio Antonio Stradivari sta semplicemente rendendo omaggio all&#039;indiscussa stella guida del suo mestiere - che probabilmente non era del tutto privo di secondi fini affaristici? 
 Perché in qualunque modo Antonio Stradivari possa essere stato allievo di Amati, l&#039;affermazione di Antonio Stradivari come liutaio di successo fu quella di un abile interprete di Amati, e dovette la sua rapida ascesa non alla sua rivoluzionaria riformulazione del modello di violino Stradivari, che gli valse il suo posto di rilievo nella storia degli strumenti musicali - ma alla fedele attuazione dei principi di Amati e, non ultimo, al fascino estetico del lavoro di Stradivari. Il fatto che Antonio Stradivari abbia avuto gli stampini di Amati nel suo laboratorio fino alla sua morte è un&#039;indicazione dell&#039;importanza che si attribuiva al rapporto con il suo &quot;maestro&quot; - indipendentemente dal fatto che questa parola si applichi in senso proprio o figurato. 
 Il modello di violino di Antonio Stradivari 
 Non fu che all&#039;età di circa 40 anni che Antonio Stradivari intraprese una partenza sorprendente nel suo radicalismo, quando iniziò a sperimentare intorno al 1684: 
 
 Nel corso dei successivi 10 anni circa, il corpo dei suoi strumenti variò in lunghezza e larghezza, ma soprattutto Antonio Stradivari ridusse progressivamente l&#039;altezza dell&#039;arco; un passo decisivo verso un significativo miglioramento del tono, poiché un dorso più piatto è più facile da vibrare di uno più arcuato. 
 I f-hole si allargano nel corso di questi anni 
 e Stradivari ha anche rivisto a fondo la formula della vernice che usava. 
 
 Con questi e molti altri piccoli cambiamenti, Antonio Stradivari sembra aver lavorato da solo per ottenere un suono più forte, portante e deciso per i suoi violini, e per combinarlo con i vantaggi tonali dei suoi precedenti violini Stradivari. Ci sono state molte speculazioni sulle ragioni di questo improvviso e apparente cambiamento del violino Stradivari, e probabilmente ogni ipotesi sulle motivazioni di Antonio Stradivari contiene un granello di verità: come si può negare che l&#039;ingegno e la curiosità artigianale abbiano giocato la loro parte - mentre la buona accoglienza dei suoi nuovi violini da parte di solisti e compositori eccezionali suggerisce che Antonio Stradivari era principalmente preoccupato di soddisfare un nuovo profilo tonale di richieste nella musica del suo tempo. L&#039;allargamento delle orchestre e lo sviluppo del concerto solista o concerto grosso sono uno sfondo plausibile per la revisione del suo lavoro precedente, anzi dell&#039;intera corrente della liuteria italiana del periodo barocco, con cui Antonio Stradivari riuscì ad attirare una clientela molto interessante. Infine, ma non meno importante, si trascura spesso il fatto che molti altri cominciarono a sperimentare accanto a lui; il periodo intorno al 1690 nella liuteria italiana può certamente essere descritto come una fase di sperimentazione a volte audace, in cui gli standard - ancora relativamente giovani - della famiglia del violino erano in evoluzione. 
 Il mistero di Antonio Stradivari 
 Ma quale caratteristica è decisiva per la qualità speciale e il suono eccezionalmente buono del nuovo violino Stradivari, il cui modello ha raggiunto la maturità intorno all&#039;anno 1695? Nuove ipotesi su questa questione occupano il pubblico a intervalli regolari - è la vernice, e c&#039;è la ricetta segreta per la sua fabbricazione che i discendenti di Stradivari si dice tengano sotto chiave fino ad oggi, secondo una leggenda appassionante? Per quanto divertenti siano queste speculazioni - e le loro controparti più serie - non hanno nulla a che vedere con una valutazione professionale di quest&#039;opera epocale. Uno strumento ad arco è un sistema complesso la cui qualità non può mai dipendere da una singola caratteristica, ma è radicata nel livello costantemente elevato di tutti i suoi componenti. La vernice dei violini Stradivari, già apprezzata dai clienti di Stradivari, anche se probabilmente più per la sua qualità estetica, contribuisce anch&#039;essa alla sua parte, ma non può essere considerata &quot;il&quot; segreto del &quot;violino Stradivari&quot;. Gli strumenti dei grandi cremonesi sono realizzazioni storiche della liuteria che devono il loro status musicale a molti fattori individuali, e non ultimo alla loro perfetta coordinazione armonica. Studiarli in dettaglio è ancora una delle migliori scuole per i liutai che vogliono perfezionare le loro conoscenze e la loro abilità. 
 Panoramica: Fasi nel lavoro di Antonio Stradivari 
 
 
 
 „Amatisé“: I primi lavori di Stradivari, modellati sul lavoro del suo presunto maestro Nicolò Amati 
 1667&amp;nbsp;–&amp;nbsp;ca.&amp;nbsp;1684/85 
 
 
 
 Periodo di transizione: Trattando il modello Maggini, riducendo l&#039;altezza dell&#039;arco e rivedendo la distribuzione dello spessore della tavola armonica per aumentare il tono, modello &quot;Longuet&quot; più grande. 
 
 1684/85&amp;nbsp;–&amp;nbsp;ca.&amp;nbsp;1695 
 
 
 Maturazione del modello Stradivari 
 1695&amp;nbsp;–&amp;nbsp;98 
 
 
 Gli &quot;anni d&#039;oro&quot; 
 ca.&amp;nbsp;1700&amp;nbsp;–&amp;nbsp;1720 
 
 
 L&#039;opera tarda di Stradivari&amp;nbsp; 
 ca.&amp;nbsp;1725&amp;nbsp;–&amp;nbsp;37 
 
 
 
 Omobono Stradivari e Francesco Stradivari: Gli eterni principi della corona 
 Degli 11 figli di Antonio Stradivari, solo Francesco Stradivari, nato nel 1671, e suo fratello Omobono Stradivari, di otto anni più giovane, intrapresero la professione del padre - e rimasero nella sua ombra per tutta la vita. Che la bottega di famiglia Stradivari, che aveva anche un grande successo economico, non abbia trovato un buon passaggio alla generazione successiva può sembrare sorprendente - ma è stato proprio a causa di Stradivari stesso: La sua eccezionale maestria e produttività fino alla vecchiaia, anzi fino alla sua morte a ben oltre 90 anni, non lasciò a Francesco Stradivari in particolare alcuno spazio per il proprio sviluppo. Anche se gli ultimi strumenti di Antonio mostrano qua e là una certa disattenzione, soddisfano comunque tutte le aspettative dei migliori musicisti in termini di suono, allora come oggi - e così lui personalmente è rimasto la misura di tutte le cose nella generazione che lo ha seguito. Solo Omobono Stradivari osò staccarsi all&#039;età di 18 anni e andò a Napoli, probabilmente anche voltando le spalle alla liuteria - solo per tornare alla fine e sostenere suo fratello e suo padre nella bottega. L&#039;influenza del padre fu ovviamente così dominante che il lavoro dei figli è conosciuto solo a grandi linee; probabilmente non furono mai in grado di emanciparsi dallo status di assistenti altamente qualificati e sopravvissero ad Antonio solo per pochi anni. Così, l&#039;artigianato personale di Omobono rimane praticamente intangibile, mentre a Francesco Stradivari si attribuisce almeno una certa influenza sul modello di violoncello &quot;forma B&quot; creato intorno al 1730 e sui mandolini della bottega Stradvari - il resto della sua biografia lavorativa di oltre 50 anni è invisibile. 
 
  L&#039;ultimo autentico Stradivari  
 
 Cosa rimase dopo che il maestro e i figli morirono e nessun altro allievo di talento seguì, così che la bottega di Antonio Stradivari non stabilì una linea diretta di tradizione? Prima di tutto, c&#039;erano diversi strumenti che il padre ha lasciato in eredità a vari membri della sua famiglia. Certo, sono solo una piccola parte dei probabilmente circa 1.000 strumenti che sono stati creati da Stradivari e dai suoi figli nel corso di questa impressionante lunga vita lavorativa. Circa 650 violini Stradivari esistono ancora oggi, anche se si deve supporre un certo numero di provenienze sconosciute. La maggior parte di essi sono conservati in casseforti ben protette o possono essere ammirati nei musei - nel famoso  Museo del Violino &amp;nbsp;nella città natale di Stradivari, Cremona, ma anche in molti altri paesi del mondo. Solo alcuni sono nelle mani di musicisti, per lo più in prestito; una circostanza deplorevole che è dovuta non da ultimo al successo globale del &quot;marchio Stradivari&quot; dal XIX secolo e alla speculazione sui capolavori storici della liuteria che ne è seguita. 
 &amp;nbsp;  
 Stradivari alla catena di montaggio: l&#039;inflazione di un marchio 
 Così l&#039;interesse per i vecchi maestri italiani e per Stradivari in particolare, che cominciò ad esplodere alla fine del XVIII secolo, è anche responsabile del fatto che &quot;Stradivari in catena di montaggio&quot; venivano costruiti praticamente in tutti i centri importanti della liuteria industriale. Il fatto che le etichette dei violini d&#039;imitazione, i timbri delle marche e i cataloghi reclamassero il nome non protetto per la pubblicità è un&#039;altra svolta eloquente nella storia dell&#039;impatto di Stradivari - che, nel suo lavoro singolare strettamente legato alla sua persona, incarnava tuttavia l&#039;opposto di qualsiasi produzione di massa. Eppure le manifatture della Sassonia, della Francia e di altri paesi hanno un certo diritto nella misura in cui anche i loro prodotti milionari attingono alla forza innovativa con cui il mito di Stradivari aveva portato la liuteria a un nuovo livello secoli prima. Per quanto lontano possa essere un violino di fabbrica cinese dal famoso &quot;Messiah&quot; o &quot;Hellier&quot;, per citare solo i nomi di due personalità dello strumento di fama mondiale, non esisterebbe senza lo storico modello di violino di Antonio Stradivari. 
 Quanto costa un autentico Antonio Stradivari? 
 Il valore fiabesco degli autentici violini Stradivari è di volta in volta oggetto di preoccupazione pubblica, per esempio nel 2016 quando una violinista ha dimenticato il suo Stradivari da 2,4 milioni di euro su un treno espresso regionale. I sempre nuovi record d&#039;asta trovano anche la loro strada nella stampa popolare, come il famoso &quot;Lady Blunt&quot;, che è attualmente considerato il violino Stradivariano con l&#039;aumento di valore più spettacolare: Mentre il violino è stato messo all&#039;asta da Sotheby&#039;s nel 1871 per l&#039;equivalente di circa 200.000 USD, il violino Lady Blunt ha raggiunto la favolosa somma di 15,9 milioni di USD a Tarisio nel 2011. Il fatto che l&#039;ultima asta si sia tenuta per aiutare le vittime del terremoto e dello tsunami del Tōhoku può aver avuto un&#039;ulteriore influenza sul risultato - tuttavia, questo enorme aumento di prezzo è in linea con la tendenza del commercio di strumenti storici di alto livello, specialmente quelli di mano di Stradivari. E la fine dello sviluppo non è ancora in vista. 
 Gli eredi di Stradivari: Grandi successori del Maestro 
 L&#039;influenza diretta di Stradivari sulle successive generazioni di liutai non fu inizialmente così grande come si potrebbe supporre in considerazione della sua fama odierna. Così i violini dopo Amati continuarono a godere di grande popolarità, soprattutto in Italia; le loro caratteristiche sonore corrispondevano al gusto musicale diffuso, soprattutto nel campo della musica da camera. Il modello di Jakob Stainer mantenne anche la sua influenza, in parte nel XIX secolo, e varie scuole autoctone modellarono la diversità della liuteria europea all&#039;inizio del XVIII secolo; da menzionare, per esempio, i modelli distintivi di Caspar Hopf nell&#039;angolo musicale boemo-sassone o quello di Jacob Krauchdaler, che influenzò la regione alemanna. 
 Tuttavia, si può indubbiamente tracciare una linea da Stradivari ai migliori liutai dei nostri giorni, anche se questo è meno visibile in una serie chiusa di relazioni maestro-allievo che nel ripetuto ricorso e impegno con i modelli storici della mano di Stradivari. Le loro qualità non solo fanno parte della formazione di base dei giovani liutai, ma costituiscono il filo conduttore dello sviluppo artistico di molti eccellenti maestri. Christoph Götting, per esempio, ha potuto lavorare su numerosi Stradivari durante i suoi molti anni presso J. &amp;amp; A. Beare a Londra e ha acquisito importanti intuizioni per il proprio lavoro, non ultimo per il grande tema della sua vita, la laccatura. Allo stesso modo, gli strumenti di Stradivari sono una costante fonte di ispirazione per il maestro parigino Stephan von Baehr, che, come collaboratore di Andreas Kaegi, ha potuto avvicinarsi precocemente al cremonese - ed è maturato in uno dei più interessanti costruttori di violini dei giorni nostri, anche grazie agli impulsi di un&#039;epoca passata ma ancora vibrante. 
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  Ulteriori link:  
  Biblioteca  - raccolta di testi sulla storia della liuteria 
  Catalogo online  | Violini, viole, violoncelli e archi di alta qualità (campioni audio) 
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            <title type="text">I liutai della famiglia Amati - e l&#039;invenzione del violino</title>
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                                            Nicolò Amati e i liutai della famiglia Amati a Cremona: un&#039;introduzione alla vita e al lavoro
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                 Nicolo Amati e i liutai della famiglia Amati a Cremona 
 La dinastia di liutai Amati ha dominato la costruzione di strumenti ad arco a Cremona per più di 100 anni e ha dato contributi decisivi alla nascita del modello di violino moderno - in collaborazione con Antonio Stradivari, che ha costruito sull&#039;opera della famiglia Amati e perfezionato la forma e i principi di costruzione del violino fino alla sua definizione che è ancora valida oggi.  
 
  Andrea Amati e l&#039;«invenzione» del violino moderno  
  Caratteristiche specifiche dei violini di Andrea Amati  
  Antonio e Girolamo Amati: i «Fratelli Amati»  
  Nicolò Amati  
  Il «grande modello Amati» di Nicolò Amati  
 
 Andrea Amati e l&#039;«invenzione» del violino moderno 
 Andrea Amati è nato intorno al 1505 e probabilmente non apparteneva a una famiglia patrizia con lo stesso nome, come il figlio di cui la precedente ricerca sulla liuteria lo vedeva. Non è quindi certo che Amati avesse effettivamente i mezzi finanziari per ottenere legni di prima qualità da Venezia già da giovane maestro, il che potrebbe in parte spiegare la rapida costituzione della sua bottega. Amati probabilmente approfittò semplicemente del rapido sviluppo della cultura musicale nell&#039;Italia del Rinascimento, e la qualità e lo stile dei suoi strumenti incontrarono ovviamente gli interessi di una ricca classe superiore così come di dignitari ecclesiastici e istituzioni che investirono pesantemente nella loro rappresentazione artistica. 
 In questo contesto, la concentrazione decisiva di Amati sulla costruzione di strumenti ad arco è probabilmente una delle decisioni giuste che ha preso, che era appena nella sua culla di artigiano dalla sua formazione con Giovanni Liunardo da Martinengo. Come i liutai della sua epoca - e la maggior parte delle generazioni che seguirono - Amati imparò certamente prima di tutto l&#039;arte della costruzione degli strumenti a pizzico, ma poi si concentrò con una coerenza senza pari sulla famiglia del violino, con la cui formulazione scrisse davvero la storia della musica. 
  Albero della famiglia Amati 
 Caratteristiche specifiche dei violini di Andrea Amati 
 Andrea Amati è ampiamente considerato come l&#039;«inventore» del violino, ma la sua realizzazione storica - come la maggior parte delle grandi scoperte nella storia dell&#039;umanità - non è affatto avvenuta nel vuoto. Piuttosto, raggiunse innovazioni decisive nei modelli di violino contemporanei che erano ancora strutturalmente radicati nel tardo Medioevo, che era appena terminato, ed erano in uno stato di costante cambiamento al volgere dell&#039;era moderna - come tanti elementi della cultura europea. 
 Il cambiamento nella posizione del ponticello, che Amati collocò più in alto, più vicino alla tastiera, riducendo così la lunghezza vibrante delle corde rispetto ai vecchi modelli di viola da braccio, fu innovativo e coraggioso. Spostando simultaneamente i fori del suono verso il basso e cambiando la loro forma, creò importanti e immediatamente percepibili determinanti del nuovo tipo di violino, compresa la forma standard del cartiglio, che probabilmente risale ad Amati. Ancora più importante per le qualità tonali del violino, tuttavia, fu un&#039;innovazione nell&#039;artigianato che non era visibile come tale, perché Amati evidentemente adottò principi di costruzione dalla liuteria, e usando uno stampo interno realizzò spessori delle pareti considerevolmente più sottili e superfici di colla più piccole - il che migliorò notevolmente il comportamento vibratorio dell&#039;intero corpo. 
 Quindi è molto probabile che il salto di qualità tonale associato al lavoro di Andrea Amati abbia giocato il ruolo più importante nell&#039;enorme successo della sua bottega. I violini Amati erano molto avanti rispetto al loro tempo, soprattutto dal punto di vista musicale, poiché in questa fase della storia della musica non esisteva una letteratura solistica che avrebbe esaurito le loro possibilità, soprattutto nel suonare attraverso tutti i registri tangibili. 
 Il successo internazionale del violino Amati è quindi probabilmente dovuto in non piccola parte ai musicisti che hanno conosciuto il lavoro di Amati a Cremona e lo hanno portato in tutti i paesi con i loro impegni. Se il leggendario grande ordine di strumenti riccamente decorati per l&#039;orchestra di Jean-Baptiste Lully alla corte reale francese, che si dice sia avvenuto tramite Caterina de Medici, sia stato effettivamente eseguito può essere lasciato al dibattito degli studiosi. Ciò che è indiscutibile è l&#039;influenza storica che il lavoro di Amati ha avuto su tutte le successive generazioni di liutai. 
   
 Antonio e Girolamo Amati: i «Fratelli Amati» 
 Tra i primi successori di Andrea Amati ci sono, naturalmente, i suoi due figli Antonio e Girolamo Amati, che svilupparono alla perfezione il modello di violino del padre. Come Andrea Amati, i fratelli, che marchettiavano i loro strumenti con un&#039;etichetta comune, si concentrarono probabilmente esclusivamente sulla fabbricazione di strumenti a corda. 
 Dopo la morte del padre nel 1577, divenne evidente che Antonio e Girolamo Amati erano i suoi perfetti pari in termini di sperimentazione e creatività, e riuscirono ad apportare miglioramenti significativi al modello Amati in tutti i suoi aspetti centrali. Oltre all&#039;incordatura e all&#039;armonizzazione del profilo, sono particolarmente degne di nota le f-hole più strette e un&#039;ottimizzazione tonale del concetto di arcata; attraverso un&#039;insenatura più risolutamente eseguita rispetto al modello del padre, hanno ottenuto non solo un miglioramento dell&#039;estetica ma anche un aumento della tensione della tavola armonica, che ha contribuito molto alla risposta più facile e all&#039;attrattiva tonale del loro lavoro. Uno dei loro risultati storici duraturi è, non da ultimo, l&#039;applicazione della forma della viola più piccola, che Stradivari adottò immediatamente e fece diventare lo standard fino ad oggi. 
 Come quasi tutte le biografie non aristocratiche di questo periodo, anche la storia della vita dei fratelli Antonio e Girolamo Amati ha alcuni misteri irrisolti, tra i quali la vendita della quota di bottega di Antonio a Girolamo è probabilmente il più grande. È documentato per l&#039;anno 1588, solo 11 anni dopo la morte di Andrea Amati, ma non ha avuto alcun effetto retrospettivamente discernibile sul lavoro congiunto, che ha continuato apparentemente indifferente; compresi gli scivoli di violino congiunti, che sono stati utilizzati ben oltre la morte di Antonio Amati nel 1607 fino al 1630 - l&#039;anno Girolamo Amati cadde vittima della peste. 
 Nicolò Amati 
 Anche se il successo della bottega di Antonio e Girolamo Amati aveva creato le migliori condizioni per qualsiasi successore - soprattutto se, come il figlio di Girolamo, Nicolò Amati, aveva imparato la liuteria fin dall&#039;infanzia nel principale atelier di liuteria d&#039;Italia - questo maestro 34enne si trovò in una situazione difficile dopo la morte inaspettata di suo padre. La carestia e le epidemie di peste avevano colpito l&#039;Italia settentrionale, e dopo che anche Maggini soccombette alla malattia a Brescia nel 1632, Nicolò Amati gestì l&#039;unica bottega di liuteria di prima classe in Italia. Non si sa in dettaglio come abbia affrontato questa situazione, che con ogni probabilità era caratterizzata da una carenza cronica di personale e da un grande sovraccarico di lavoro - ma è sorprendente che quasi nessun nuovo strumento sia sopravvissuto dai primi dieci anni. 
 Contro ogni previsione, Nicolò Amati utilizzò questo tempo per un riorientamento fondamentale, in linea con la tradizione della sua famiglia di ricapitolare le prestazioni della generazione precedente alle cesure biografiche e di apportare importanti miglioramenti al rispettivo modello Amati attuale. Così, mentre Nicolò Amati costruiva ancora strumenti nello stile del padre tra il 1630 e il 1640, e di conseguenza vi apponeva anche la sua etichetta, Nicolò Amati stava parallelamente creando le basi per un «nuovo Amati», che aveva un&#039;importanza simile all&#039;atto innovativo di suo nonno nella storia della liuteria. 
 Il «grande modello Amati» di Nicolò Amati 
 Questa fondamentale riformulazione del modello di violino progettato da Andrea Amati fu la base per il sostenuto successo commerciale che portò la bottega di Nicolò Amati fuori dalla crisi - e il modello diretto per le successive opere della scuola cremonese. Il miglioramento costruttivo consisteva soprattutto in un&#039;interpretazione più bassa dell&#039;arcata e in un ulteriore aumento della tensione del piano, che Nicolò Amati ottenne lavorando il cornicione - una delle più importanti innovazioni del padre e dello zio - ancora più in profondità. In combinazione con costole più alte, ha raggiunto un nuovo suono di violino che ha soddisfatto le esigenze della pratica esecutiva contemporanea con diversi cori e ampie orchestre. 
 Nicolò Amati ha guadagnato meriti storici anche come insegnante ed è il maestro a cui i grandi nomi della scuola cremonese devono la loro formazione e ispirazione; e sebbene manchino per lo più prove dirette del loro apprendistato nella sua bottega, l&#039;influenza formativa di Nicolò Amati su Francesco Ruggeri, Andrea Guarneri e Antonio Stradivari è fuori discussione. Non è del tutto improbabile che Nicolò Amati abbia così creato la dura situazione competitiva a Cremona che avrebbe reso la vita difficile a suo figlio e allievo Girolamo II Amati e che alla fine abbia contribuito al fatto che con lui la stella della famiglia Amati cominciò ad affondare nel XVII secolo. 
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            <title type="text">Guarneri - La liuteria cremonese all&#039;ombra di Stradivari</title>
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                                            Guarneri del Gesù e i liutai della famiglia Guarneri a Cremona: un&#039;introduzione alla vita e al lavoro
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                 Andrea Guarneri - Il Progenitore 
 La vita e il lavoro di Andrea Guarneri, il capostipite della grande famiglia cremonese dei liutai Guarneri, sono strettamente intrecciati con la storia della famiglia Amati. Il ragazzo del villaggio agricolo di Casalbuttano imparò il mestiere da Nicolò Amati, salì fino a diventare un confidente quasi riconosciuto come membro della famiglia e probabilmente dovette la propria affermazione all&#039;avanguardia della liuteria italiana barocca al ciclico strapotere della bottega.&amp;nbsp; 
 I liutai Guarneri – Panoramica: 
 
  Andrea Guarneri - Il Progenitore  
  Giuseppe Giovanni Battista Guarneri (I) - il fedele  
  Pietro Giovanni Guarneri – Pietro da Mantova  
  Pietro Guarneri „filius Joseph“ – Pietro di Venezia  
  Giuseppe Guarneri &quot;del Gesù&quot; - alla pari con Stradivari  
 
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 Non c&#039;è una registrazione precisa di quando Andrea Guarneri iniziò il suo apprendistato con Nicolò Amati; la fine degli anni 1630 è ipotizzabile, ma è certo che fu elencato come membro della bottega e della famiglia nel 1641. Nel 1645 Guarneri apparve come testimone al matrimonio di Amati, il che indica un legame molto più stretto di quello che esisteva comunque attraverso la partnership di vita e di lavoro tra il maestro e l&#039;artigiano in questo periodo. Amati probabilmente vide nel suo talentuoso allievo un confidente che sarebbe stato considerato anche per una successiva acquisizione della bottega - e sul quale continuò a contare anche dopo la nascita di Girolamo Amati, il primo capostipite, nel 1649. 
 Il matrimonio di Andrea Guarneri nel 1653, tuttavia, gli permise di stabilire la propria esistenza, e si stabilì nelle immediate vicinanze di Amati come un maestro indipendente che - in un atto di rispettoso riferimento e di intelligente strategia pubblicitaria - si descriveva orgogliosamente sulle etichette dei suoi primi violini come un &quot;ex Allumnis Nicolai Amati&quot;. E in effetti, il lavoro di Andrea Guarneri è in gran parte sotto l&#039;influenza del suo maestro, anche se gli strumenti dell&#039;allievo non raggiungono mai la precisione ossessionata dai dettagli e la qualità armonica complessiva del modello. È possibile che non avesse familiarità con le sottigliezze della finitura finale dei nuovi strumenti, dato che nella bottega di Amati era probabilmente riservata al maestro stesso. 
 Solo negli ultimi anni Guarneri osò fare alcune innovazioni, di cui la posizione un po&#039; più stretta dei fori sonori deve essere annoverata tra gli esperimenti non necessariamente riusciti nella storia della liuteria. Al contrario, le sue poche viole sopravvissute sono capolavori di prima classe che non devono temere confronti. Non da ultimo, la sua interpretazione minore del violoncello, che teneva conto delle crescenti esigenze solistiche della cultura musicale del suo tempo, è uno dei risultati lungimiranti della vecchia bottega Guarneri, in cui - più tardi, più - si riconosce la mano dei figli. 
 Giuseppe Giovanni Battista Guarneri (I) - il fedele 
 Il figlio minore di Andrea Guarneri, Giuseppe Giovanni Battista, trascorse tutta la sua vita nella casa paterna - come allievo, assistente e successore nella bottega, ma anche con la sua famiglia, che fondò nel 1690. Il suo stretto legame con il padre e la sua affermazione come secondo importante liutaio accanto ad Amati si riflette anche nell&#039;etichetta del violino di Giuseppe, usata dal 1698 in poi, sulla quale si riferisce a se stesso come &quot;filius Andreae&quot;.    
 Anche se Giuseppe Guarneri rimase sempre fedele ai sentieri che aveva già percorso, la biografia della sua opera mostra molti luoghi oscuri ed enigmatici e le tracce di una vita laboriosa e mutevole. Anche il trasferimento della bottega dopo la morte di Andrea fu gravato finanziariamente dal fatto che Giuseppe dovette pagare diversi eredi, tra cui il fratello maggiore Pietro, caduto in disgrazia. Poco dopo, Cremona fu coinvolta nei disordini della guerra di successione spagnola, che durò fino al 1707. E dopo che la stabilità tornò con la conquista austriaca, Giuseppe fu costretto nella stessa situazione che aveva già definito la vita di suo padre: essere sempre secondo tra i migliori, Andrea accanto ad Amati, Giuseppe accanto a Stradivari, che a sua volta era solo il più forte dei tanti concorrenti tra i liutai cremonesi dell&#039;epoca. 
 Non è quindi sorprendente che l&#039;opera di Giuseppe Guarneri si presenti in modo disparato, e includa non solo veri capolavori dell&#039;arte della liuteria - per i quali niente meno che Charles Beare lo annovera tra i più grandi liutai della storia - ma anche strumenti realizzati con materiali sorprendentemente semplici e con una vistosa trascuratezza nelle finiture. A partire dal 1715 trovò sostegno nei suoi figli, ma il suo lavoro terminò bruscamente nel 1720, anche se visse ancora una ventina d&#039;anni. Perché non si conoscono più strumenti di Giuseppe Guarneri da questo punto in poi è una delle questioni irrisolte della ricerca. 
     Albero genealogico della famiglia di liutai Guarneri  
 Pietro Giovanni Guarneri – Pietro da Mantova 
 A differenza di suo fratello Giuseppe Guarneri, il figlio maggiore di Andrea Guarneri, Pietro Guarneri, non passò tutta la sua vita nella casa paterna; come suo fratello, imparò il mestiere in Casa Guarneri e inizialmente vi rimase dopo aver fondato la sua famiglia, ma decise nel 1679 di lasciare Cremona e trasferirsi a Mantova - un passo che probabilmente suo padre non gli perdonò mai, ma che si rivelò essere quello giusto, poiché Pietro trovò un sostentamento molto migliore all&#039;estero. 
 A Mantova, un ingaggio nell&#039;orchestra di corte del duca Ferdinando Carlo Gonzaga assicurò il sostentamento di Pietro, che si formò anche come liutaio e violinista, e che fu anche chiamato &quot;Pietro da Mantova&quot; per distinguerlo dal nipote omonimo. Oltre a questo, in gran parte libero dalla concorrenza locale, è stato in grado di affermarsi come l&#039;eccellente liutaio che rivendica il suo posto nella storia della liuteria: A differenza di Giuseppe Guarneri, che rimase a  Cremona , Pietro Guarneri lavorò evidentemente per clienti facoltosi e non dovette quindi fare alcuna concessione in materia di materiale o di sforzo nell&#039;elaborazione dei suoi strumenti. Di conseguenza, sono sopravvissuti violini straordinariamente belli e un violoncello di lui, che convincono per la loro eleganza e un chiaro stile individuale, anche se non rivoluzionario. 
 Il fatto che la sua opera nel suo insieme sia rimasta gestibile - oggi si conoscono circa 50 strumenti - è certamente dovuto anche al fatto che egli perseguì diverse attività durante la sua vita. Oltre alla musica, questi includevano un commercio di corde di successo, per il quale fu privilegiato con un monopolio dal Duca nel 1699. 
 Sebbene i suoi affari stessero andando molto bene, Pietro Guarneri da Mantova rimase senza un successore; che gli mancasse il tempo per formare i suoi figli o un altro apprendista adatto può essere solo congetturato. Quello che è certo, però, è che attraverso il suo esempio esercitò una certa influenza su altri liutai, tra cui i mantovani Balestrieri e Camilli - ma anche suo fratello Giuseppe, che per molti versi era più orientato verso Pietro che verso suo padre Andrea, e suo nipote Pietro Guarneri &quot;filius Joseph&quot;. 
 Pietro Guarneri „filius Joseph“ – Pietro di Venezia 
 Dall&#039;oscurità in cui si perde la biografia di Giuseppe Guraneri dopo il 1720 nasce la vita di suo figlio Pietro Guarneri, il veneziano Guarneri, noto anche come Pietro di Venezia o &quot;filius Joseph&quot;. La sua prima nota personale di violino è datata 1721, poco dopo il misterioso silenzio di suo padre. Presumibilmente lasciò Cremona poco dopo e lavorò come assistente di un maestro veneziano, per poi mettersi in proprio nella città lagunare. Nel 1725, è documentato lì per la prima volta, ed è provata una connessione almeno privata con la famiglia di liutai Sellas (Seelos). 
 Come per suo zio, la decisione di voltare le spalle a Cremona si rivelò quella giusta per il veneziano Pietro. Tra il 1730 e il 1750 costruì un numero considerevole di violini e alcuni violoncelli, assumendo un ruolo speciale rispetto agli altri liutai della sua famiglia. Anche se mantenne alcune delle realizzazioni dei Guarneris, come l&#039;inarcamento della parte superiore e del dorso, il suo stile personale era più una sintesi del modello prepotente Stradivari e della tradizione veneziana. In particolare, il lavoro di laccatura, che è una caratteristica non trascurabile per il successo di vendita, segue chiaramente il gusto corrente a Venezia al suo tempo, e come era consuetudine nel suo paese d&#039;adozione, Pietro ha decorato le sue tavole di violino con ornamenti floreali - senza, naturalmente, rinunciare alla riverenza &quot;figlio di Giuseppe&quot; e al riferimento &quot;cremonese&quot;. 
 Giuseppe Guarneri del Gesù – auf Augenhöhe mit Stradivari 
 Mentre Pietro da Mantova e Pietro di Venezia Guarneri cercarono e trovarono la loro fortuna fuori Cremona, la vita di Bartolomeo Giuseppe Guarneri &quot;del Gesù&quot; (Guarneri del Gesù) prese un corso molto diverso dalle biografie di suo zio e di suo fratello dopo l&#039;apparente collasso economico della bottega di suo padre. Per quanto scarse siano le informazioni su questi anni bui della vita di colui che è considerato il più grande liutaio della storia insieme ad Antonio Stradivari, sembra chiaro che Giuseppe Guarneri &quot;del Gesù&quot; non si occupò quasi mai della sua arte tra il 1723 e il 1730 - i pochi strumenti di questo periodo per i quali la sua paternità viene messa in discussione non possono essere attribuiti con certezza, a parte alcune eccezioni. 
 Quando Giuseppe Guarneri del Gesù tornò a Cremona nel 1731, era quindi direttamente successivo al suo periodo di apprendista e assistente nella bottega del padre - e quindi a una fase ispiratrice in cui si era sempre preso grandi libertà di sperimentazione. Anche per questo motivo, il tardo periodo della bottega di Giuseppe Giovanni Battista Guarneri è oggi considerato anche come la fase iniziale dell&#039;opera di Giuseppe Guarneri del Gesù. 
 Giuseppe Guarneri &quot;del Gesù&quot; rimase impegnato nella sperimentazione nei successivi 15 anni del suo lavoro, e così ci sono essenzialmente 3 caratteristiche che possono essere viste come costanti nel suo lavoro: 
 
 La firma con il monogramma di Cristo IHS e la croce ornata, che valse a Giuseppe Guarneri &quot;del Gesù&quot; il suo epiteto, 
 l&#039;ortografia insolita e linguisticamente obsoleta &quot;Cremonȩ&quot; invece di &quot;Cremonae&quot;. 
 e le caratteristiche sonore letteralmente uniche che hanno reso i violini di Giuseppe Guarneri del Gesù gli strumenti preferiti da violinisti di fama mondiale come Heifetz, Stern e Zukerman - a partire dal leggendario &quot;Cannone&quot; di Niccolò Paganini. 
 
 Tutte le altre caratteristiche del violino erano in un costante stato di flusso per Giuseppe Guarneri &quot;del Gesù&quot;, e nella sua ricerca di un suono più potente e più caldo, era subito pronto a qualsiasi rottura con le convenzioni estetiche e artigianali che non ultimo la sua stessa famiglia aveva contribuito a sviluppare. 
 Questo atteggiamento si riflette già nei primi lavori di Guarneri del Gesù, in cui si impegnò attivamente con le innovazioni del suo vicino famoso e di grande successo Antonio Stradivari - a differenza di suo padre, che apparentemente ignorava studiosamente il suo concorrente. Così, la ricerca attribuisce il significativo miglioramento del suono di alcuni violini Giuseppe Guarneri della fine degli anni 1710 a questa influenza di Stradivari, che aveva trovato la sua strada attraverso del Gesù nella bottega Guarneri. Dal 1730 in poi, Guarneri si rivolse alla scuola bresciana e migliorò l&#039;arcata, il contorno e la posizione delle buche del suono secondo i modelli di da Salò e Maggini. 
 In questo modo Giuseppe Guarneri &quot;del Gesù&quot; raggiunse i suoi più bei risultati intorno all&#039;anno 1735, e il suo risultato storico consiste non da ultimo nell&#039;aver combinato in un ingegnoso artigianato le migliori caratteristiche della tradizione cremonese e bresciana come le due più influenti e sviluppate scuole italiane di liuteria. 
 I restanti 9 anni fino alla morte prematura di Guarneri del Gesù sono segnati da una crescente trascuratezza di tutti gli aspetti incidentali o insignificanti del suono del violino Guarneri. La scelta dei legni da parte di Guarneri, per esempio, segue sempre più risolutamente le loro qualità tonali e non è più affascinata da nessuna venatura, per quanto bella; la finitura si presenta fugacemente e con notevole disinteresse, la colorazione della vernice sembra essere lasciata più al caso, le buche sono asimmetriche e sembrano obbedire più al sentimento del maestro per il comportamento vibratorio del top che alle esigenze dell&#039;occhio. 
 A differenza di  Antonio Stradivari , Giuseppe Guarneri del Gesù visse il principio del trial and error non solo in una fase della sua biografia lavorativa, ma fino all&#039;ultimo giorno della sua attività. Forse questa ingegnosa apertura è anche parte della popolarità che i suoi strumenti godono ancora oggi tra gli artisti di spicco - al di là del loro eccellente suono, che stabilisce ancora degli standard 300 anni dopo. 
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            <title type="text">Jakob Stainer (Jacobus Stainer) - il vagabondo</title>
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                                            Il liutaio tirolese Jakob Stainer (Absam, 1618-1693) ha stabilito degli standard - informazioni su Jacobus Stainer, il violino Stainer e la vita di un liutaio nell&#039;era dell&#039;incertezza.
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                 Sulla storia di Jakob Stainer (Jacobus Stainer), un liutaio in un&#039;epoca di incertezze 
 La storia della vita di  Jakob Stainer (1618-1683) , con il suo enigmatico gioco di aneddoti grossolani, successi ineguagliabili nell&#039;artigianato e sorprendente contemporaneità intellettuale, appare come un ritratto non convenzionale dell&#039;epoca contraddittoria in cui  Jakob Stainer  nacque all&#039;inizio della Guerra dei Trent&#039;anni come probabilmente il più importante costruttore di violini europeo fuori dall&#039;Italia. Nei suoi alti e bassi, riflette le tensioni del suo tempo, che era dell&#039;incertezza; e che, in Jakob Stainer, ha prodotto una personalità inquieta, ripetutamente fallita e tuttavia di riferimento. 
 La storia di Jakob Stainer: panoramica  
 
  L&#039;infanzia e la gioventù di Jakob Stainer  
  Anni di apprendistato: Jakob Stainer era un allievo di Amati?  
  Gli anni erranti del giovane liutaio Jakob Stainer  
  Jakob Stainer e i debiti - un tema di vita  
  Jakob Stainer si stabilisce ad Absam  
  Jakob Stainer come un bambino del suo tempo  
  Il processo per eresia contro Jakob Stainer  
  Turbolenza economica  
  La malattia e la morte di Jakob Stainer  
  Note sul lavoro di Jakob Stainer  
 
 L&#039;infanzia e la gioventù di Jakob Stainer 
 La vita di Jakob Stainer è iniziata in circostanze molto semplici e povere: Intorno all&#039;anno 1618 - la ricerca discute varie possibilità tra il 1617 e il 1621 - Jakob Stainer è nato figlio di un minatore. Ma ha potuto andare a scuola e ha ricevuto un&#039;educazione musicale di base - come corista a Hall o alla corte di Innsbruck. Accenni da lettere successive suggeriscono che Jakob Stainer imparò anche a suonare il violino, almeno in una certa misura; una qualifica che Stainer, come scrive, considerava abbastanza «necessaria e utile» per i costruttori di violini. 
 Anni di apprendistato: Jakob Stainer era un allievo di Amati? 
 Come Jakob Stainer abbia trovato la sua strada verso la liuteria non è chiaro secondo lo stato attuale della ricerca, e la questione del suo maestro è un mistero che dà luogo a molte speculazioni. Ha completato i suoi primi anni di apprendistato presso un falegname nella sua patria tirolese, come sarebbe stato secondo le regole della gilda? E andò poi a Cremona, o addirittura alla famosa bottega Amati, come sembra suggerire una misteriosa etichetta di violino? Non lo sappiamo. C&#039;è molto per suggerire che Jakob Stainer conosceva - e conosceva molto bene - le innovazioni della liuteria italiana, ma che come giovane artigiano ha studiato intensamente una tradizione tedesca del sud. Il fatto che l&#039;abbia perfezionato e reso lo standard di un&#039;epoca nella storia della liuteria può essere considerato il nucleo della sua realizzazione storico-musicale. È quindi ipotizzabile che sia stato formato in Italia, ma da un liutaio tedesco con sede lì, come ce n&#039;erano, per esempio, a Venezia, dove evidentemente coltivava delle connessioni - anche se mancano prove materiali per questa ipotesi. 
 Gli anni erranti del giovane liutaio Jakob Stainer 
 Alla fine degli anni 1630 Jakob Stainer era arrivato alla sua professione e conduceva la vita di un artigiano errante, portando i suoi strumenti direttamente ai clienti e ai potenziali acquirenti o offrendoli ai mercati, e altrimenti guadagnandosi da vivere riparandoli dove erano necessari. Nella sua patria tirolese, le opportunità possono anche essere sorte di continuo a causa del vivace commercio sulla strada a lunga percorrenza da Verona ad Augusta, che, sotto forma dell&#039;autostrada A12/E60, esiste ancora oggi e collega i paesi della valle dell&#039;Inn come un filo di perle. 
 I primi violini firmati di Jakob Stainer risalgono al 1638; una vendita alla corte di Salisburgo è documentata nel 1644, e presto seguirono ordini da Monaco e dalla corte di Innsbruck. Essi attestano il crescente successo del giovane liutaio, che fu in grado di aumentare il prezzo dei suoi violini da circa 4 a più di 20 fiorini durante questo periodo e fu in grado - o piuttosto nella necessità - di iniziare una famiglia nel 1645, poiché la prima figlia di Stainer nacque poco prima del suo matrimonio. Secondo la triste normalità del suo tempo, dei 9 figli che Jakob Stainer ebbe con Margareta Holzhammer, la figlia di un Haller Bergmeister, solo 3 sopravviveranno ai loro genitori. 
 Jakob Stainer e i debiti - un tema di vita 
 Una delle caratteristiche speciali di questa biografia di un artigiano è che l&#039;ascesa di Jakob Stainer fu legata fin dall&#039;inizio a operazioni di debito - che aprirono molte porte al figlio di un minatore, ma lo perseguitarono anche per tutta la vita, anche oltre la sua morte. Il periodo in cui Stainer creò la sua grande opera di liuteria e crebbe fino a diventare una figura formativa nella storia della liuteria europea può anche essere descritto come una storia drammatica di prestiti presi e concessi, rimborsi tardivi e pagamenti di interessi, e massicce crisi di liquidità. In un certo senso, la biografia di Stainer è quindi tipica della transizione al primo capitalismo, che fu uno dei grandi movimenti del suo tempo. 
 La primissima transazione finanziaria registrata ne è un esempio lampante. Nel 1646 Jakob Stainer si fece carico di un debito di suo suocero, il quale, oberato economicamente dai suoi obblighi di padrone di miniera, doveva una grossa somma all&#039;arciduca Ferdinando Carlo. Stainer si è offerto di saldare l&#039;importo fornendo strumenti in cambio di pagamenti successivi da parte di suo suocero. Una costruzione notevole e intelligente, nella misura in cui il giovane liutaio apriva così un nuovo modo di vendere i suoi violini e allo stesso tempo apriva una porta alla corte arciducale. Infine, Jakob Stainer ricevette una rata di 50 fiorini per la consegna iniziale di strumenti e corde del valore di 30 fiorini - e convertì immediatamente il vantaggio di liquidità a breve termine in un viaggio a Venezia, probabilmente con lo scopo dichiarato di procurare materiali. 
 Questo viaggio commerciale durò circa un anno e mezzo, e quando Jakob Stainer tornò, il debito della famiglia fu trasferito al musicista di corte Christoph Hegele e condonato poco dopo. Una strana fine di questa transazione che induce a speculare: la corte aveva perso la pazienza a causa della lunga assenza di Jakob Stainer? Si sono aperte nuove e migliori opzioni per il padrone che si occupa di affari? Queste sono domande che possono essere poste in innumerevoli punti della storia della vita di Jakob Stainer. 
 Ulteriori viaggi portarono il girovago Jakob Stainer a Monaco, Venezia, Bolzano e Bressanone negli anni 1650-55. Il fatto che Stainer assuma una delle tante sponsorizzazioni battesimali successive nel 1652 e che sia lui stesso in grado di fare da testimone per un&#039;obbligazione nel 1653 indica che la sua situazione economica e quindi il suo status borghese si stanno stabilizzando. Nel 1655 Stainer vendette un violino ornato a Monaco di Baviera per 30 fiorini - l&#039;importo che aveva fatturato per diversi strumenti sotto il vincolo dell&#039;arciduca solo pochi anni prima. 
 Jakob Stainer si stabilisce ad Absam 
 Infatti, il suo crescente successo e un&#039;eredità gli permisero alla fine di stabilirsi ad Absam nel 1656 e di fondare la sua bottega di liutaio. Attraverso uno scambio di case all&#039;interno della famiglia e un pagamento supplementare, per il quale si indebitò con la bella somma di 150 fiorini, acquistò la casa di Absam nella quale avrebbe trascorso e lavorato per il resto della sua vita. Fu anche in questo periodo che Jakob Stainer ricevette uno stemma che documenta il suo migliorato status. 
 Nel 1658 Jakob Stainer fu nominato  «servitore arciducale/fornitore di corte»  dal conte Ferdinando Karl del Tirolo, come dividendo tardivo dei suoi sforzi di lunga data a favore della corte di Innsbruck. Questo titolo fu una chiave importante per il successo di Stainer; subito dopo ricevette ordini dalla corte reale spagnola, e il suo territorio di vendita si espanse continuamente, anche oltre i paesi di lingua tedesca, persino in Italia: per esempio, il compositore e virtuoso Antonio Veracini possedeva 10 violini Stainer, che costituivano la metà della sua collezione. 
 Jakob Stainer come un bambino del suo tempo 
 La vita di Jakob Stainer era il 17° secolo pieno di conflitti, un&#039;epoca di disordini politici e sociali, di sconvolgimenti in tutti i settori della vita. Jakob Stainer, il vagabondo, aveva il suo centro di vita nel Tirolo asburgico, uno dei paesi centrali della Controriforma - che certo non era rimasto del tutto indenne dagli insegnamenti rivoluzionari protestanti che venivano ascoltati e trasmessi, a volte più apertamente, a volte in segreto, anche nei più piccoli villaggi. Gli sconvolgimenti economici iniziati dalla Guerra dei Trent&#039;anni e le crescenti necessità finanziarie della nobiltà non lasciarono intatto nessuno strato della società che si stava formando, e quindi non c&#039;è da stupirsi che un liutaio come Jakob Stainer abbia dovuto sopportare la sua parte di tensioni dell&#039;epoca. Tanto più che Jakob Stainer è riconoscibile nei documenti sopravvissuti come una personalità eccezionalmente educata, intelligente, ma anche difficile per il suo status di liutaio. 
 Uno dei conflitti minori trovati nel «file Stainer» è una rissa con i contadini Absam nel 1659, che ha portato a richieste reciproche di danni. Nel 1661 Jakob Stainer dovette affrontare una procedura giudiziaria di sollecito in occasione di una fattura da lui contestata, e fu condannato a pagare 50 gulden. 
 Il processo per eresia contro Jakob Stainer 
 Accanto a queste scaramucce legali minori c&#039;è il processo per eresia contro Jakob Stainer e il suo amico Jacob Meringer, che lo tenne impegnato per oltre due anni a partire dal 1668, portò alla sua incarcerazione e plasmò l&#039;immagine storica di Stainer come una personalità insubordinata e diretta fino alla testardaggine. Formalmente, la disputa, dalla quale i tribunali secolari si tennero il più possibile fuori, riguardava il ritrovamento di libri proibiti e critici nei confronti della chiesa da Jacob Meringer - che cercò di discolparsi con l&#039;accusa di averli ricevuti da Jakob Stainer. Al centro della questione c&#039;era probabilmente una denuncia, perché il rapporto di Jacob Stainer con i suoi simili non era sempre privo di ostacoli - e l&#039;eloquenza che gli è stata attestata nel corso del procedimento ha probabilmente alimentato molti conflitti nel piccolo mondo di Absam. Le ripetute richieste di Stainer e Meringer che le autorità diano finalmente i nomi dei testimoni che hanno testimoniato contro di loro provano che un tale conflitto di vicinato può essere stato sullo sfondo. Appena ricevute le informazioni desiderate, hanno boicottato il procedimento - Jakob Stainer con la ripetuta osservazione che non era disponibile a causa dei suoi numerosi lavori e dei suoi clienti di alto livello. L&#039;escalation ha infine portato i due imputati in prigione, dove sono stati in grado di negoziare la punizione imposta fino a un rituale di penitenza moderato - il che, tuttavia, non ha impedito loro di fare causa (anche se senza successo) per il mancato guadagno e le spese dovute al procedimento subito dopo. 
 È una delle contraddizioni di questo tempo che Jakob Stainer fu in grado di continuare la sua attività di liutaio durante il processo di eresia in corso, in cui fu temporaneamente scomunicato. Riuscì persino ad assicurarsi un grosso ordine dal vescovo di Olmütz mentre era in arresto, e consegnò gli strumenti a Vienna durante il processo, dotato di privilegi doganali imperiali. Persino la lettera di servizio dell&#039;arciduca, che era decaduta nel 1662 e che concedeva a Jakob Stainer la posizione di fornitore della corte, fu rinnovata nel 1669 da un privilegio imperiale - il che getta una luce davvero unica sul rapporto tra potere spirituale e secolare nell&#039;impero arci-cattolico degli Asburgo della Controriforma. 
 Turbolenza economica 
 In questi tempi, tanto turbolenti quanto di successo, Jakob Stainer dovette lottare sempre più con problemi economici, che trovavano le loro cause in parte nel suo stesso comportamento finanziario, in parte nel cattivo comportamento di pagamento dei suoi clienti e nel modo in cui le autorità, anch&#039;esse di scarso peso, trattavano i loro debiti. Nel 1667, una rinegoziazione del debito salvò l&#039;esistenza economica della famiglia quando Jakob Stainer non fu in grado di rimborsare il prestito che aveva contratto 10 anni prima per comprare la sua casa. Nel 1677 dovette cancellare un vecchio debito di 450 fiorini dovuto dal defunto arciduca, poiché la corte imperiale negò la sua responsabilità come successore legale della linea degli Asburgo che si estinse con Ferdinando Carlo. 
 Sebbene gli strumenti di Jakob Stainer fossero ancora molto richiesti, egli dovette ripetutamente fare dolorose concessioni - come esemplificato dalla vendita di una viola da gamba a Ferdinand Stickler, il decano della chiesa parrocchiale di Merano, nel 1678: Mentre Stickler voleva pagare lo strumento con il vino, Jakob Stainer gli offrì un grande sconto in contanti: 16 talleri sarebbe stato il prezzo dello strumento, che avrebbe potuto vendere per il doppio di quella cifra in altre occasioni, compreso un aggiornamento gratuito con una testa di leone al posto della pergamena e la garanzia di riprenderlo se non gli fosse piaciuto. 
 La malattia e la morte di Jakob Stainer 
 Non si può provare, ma non si può nemmeno escludere, che questi problemi abbiano giocato la loro parte nel costante deterioramento della salute di Jakob Stainer; uno sviluppo che iniziò intorno al 1675 e divenne sempre più evidente nei suoi affari dal 1680 in poi. Mentre le fonti non permettono una diagnosi medica, la corrispondenza commerciale di Stainer dà l&#039;impressione di una malattia maniaco-depressiva, o comunque mentale, che sorprendentemente non ha influenzato la sua abilità artigianale. Fu proprio in questa fase che vennero realizzati i più bei violini Stainer, e già nel 1679 ricevette un importante ordine dalla corte di Monaco, che comportava un acconto di 150 gulden per diversi strumenti. 
 Ma questi raggi di speranza ovviamente non potevano ribaltare la situazione, e così nel 1682, dopo che aveva ancora una volta mancato i pagamenti degli interessi, Jakob Stainer fu messo sotto tutela dai tribunali. Suo genero Blasius Keil, che era stato sposato con sua figlia Maria, morta nel 1678/79, intervenne e, su suggerimento del tutore ufficiale, accettò di acquistare la casa di Stainer, concedendogli, insieme a sua moglie Margareta, un diritto di residenza a vita. Ancora prima che il piano potesse essere messo in pratica, Jakob Stainer morì nell&#039;autunno del 1683; la data esatta della sua morte non è nota. Margareta lo seguì nel 1689. 
  Epilogo  
 Nel 1694 Blasius Keil dovette subire un processo perché doveva l&#039;affitto del terreno per la proprietà che aveva finalmente acquisito dalla proprietà. I debiti, il tema della vita del liutaio Jakob Stainer, sono tornati. 
 Note sul lavoro di Jakob Stainer 
 L&#039;ultimo violino di Jakob Stainer fu costruito nel 1682, poco prima della sua morte, e si trova ora nel Landesmuseum Ferdinandeum del Tirolo. Nonostante le cattive condizioni in cui i suoi ultimi strumenti sono stati realizzati, ha lavorato come liutaio fino alla fine ad un livello concepibilmente alto. A causa di questa alta costanza del suo stile personale, che fu spesso imitato, è difficile distinguere le fasi dell&#039;opera di Jakob Stainer, a differenza di molti altri rinomati liutai. 
 Oltre alla forma speciale dei fori del suono, l&#039;arcata «alta» è solitamente menzionata come caratteristica del modello Stainer. Senza entrare nei dettagli del design del top e dello schienale di Stainer, va notato che anche se l&#039;altezza dell&#039;arco segna una differenza evidente, soprattutto in confronto con il successivo modello di violino dominante di Antonio Stradivari, la caratteristica inconfondibile dei violini Stainer sta soprattutto nel design speciale, simile a un plateau, del top; questo è particolarmente vero in confronto con altri modelli di violino ad alto arco del mondo di lingua tedesca. 
 I violini di Jakob Stainer devono la loro speciale qualità non tanto a caratteristiche strutturali individuali che, considerate isolatamente, avrebbero costituito il segreto del «suono argentato» (voce argentina) che era così altamente considerato fino al XVIII secolo. Analogamente al lavoro dei violini di Antonio Stradivari, non è stato da meno il talento, la grande esperienza e la cura senza compromessi con cui Jakob Stainer costruiva i suoi strumenti - a cominciare dalla scelta dei legni di tono, che selezionava personalmente in escursioni di giorni attraverso le valli della sua terra, identificando, secondo la sua stessa ammissione, gli alberi migliori per odore, suono e colore. 
 Contrariamente a quanto le prime ricerche sullo Stainer avevano ipotizzato, egli non trasmise le sue conoscenze a nessun allievo, ma lavorò in gran parte da solo per tutta la sua vita, sviluppando la sua influenza transfrontaliera solo attraverso la qualità dei suoi strumenti e la loro eccellente reputazione, che si diffuse in tutti i paesi durante la sua vita. Così, la tradizione liutaria inglese nel suo insieme seguì per molto tempo il suo esempio esclusivo, che tuttavia acquisì un&#039;importanza decisiva anche nei paesi originari della liuteria come la Francia e l&#039;Italia - dove numerosi maestri e botteghe produssero anche quelle legioni di slittamenti forgiati in violini migliori e peggiori dopo Jacobus Stainer che ancora oggi occupano i ricercatori di storia degli strumenti. 
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 Come ha fatto Matthias Klotz a diventare un liutaio? 
 In effetti, la prima storia della liuteria a Mittenwald lascia almeno altrettante domande senza risposta. La sua figura di riferimento è  Matthias Klotz , perché il figlio di un sarto portò la liuteria della sua città natale al livello che fu la base del suo boom nell&#039;alta valle dell&#039;Isar. Tuttavia, non si sa praticamente nulla della carriera di Matthias Klotz - né come sia arrivato alla liuteria, né dove abbia ricevuto la sua formazione iniziale. E ancora meno si sa degli strumenti che fece durante i primi tre decenni della sua indipendenza, dato che le più antiche opere sopravvissute risalgono al 1712 - il suo 59° anno! Questo divario sorprendentemente grande non ha ancora trovato una spiegazione soddisfacente nella ricerca. Se il liutaio di Mittenwald Matthias Klotz (Matthias Kloz) non avesse fatto nessuno o solo pochi strumenti durante questo lungo periodo, secondo una possibile ipotesi, la qualità dei suoi lavori conosciuti sarebbe difficile da comprendere. Tuttavia, che i suoi strumenti precedenti siano tutti scomparsi o non riconosciuti non sembra nemmeno molto plausibile, data la sua importanza per la storia degli strumenti musicali. 
 Con tutte le cautele del caso, Matthias Klotz può essere attribuito all&#039;influente scuola di liutai di Füssen; inoltre, sembra che abbia completato parte della sua formazione in Italia, come evidenziato da un  certificato di artigiano di Pietro Railich a Padova . L&#039;apprendistato spesso rivendicato con Nicolo Amati e un soggiorno presso Jacobus Stainer, tuttavia, appartengono già ai bordi sfocati del suo percorso di vita, che passano senza problemi nel regno della leggenda. Anche se è difficile dare un giudizio sul lavoro di Matthias Klotz in considerazione della scarsa tradizione, e anche se non è più considerato come  il primo liutaio di Mittenwald , il suo grande successo e la sua importanza per lo sviluppo della liuteria di Mittenwald sono fuori discussione. 
   Albero genealogico dei liutai Klotz Mittenwald 
 Fondazione e primi successi del laboratorio di Mittenwald di Matthias Klotz 
 Con la sua bottega aperta nel 1680, sembra aver trovato fin dall&#039;inizio delle ottime opportunità commerciali. Le foreste montane delle montagne Karwendel assicuravano ricchi rifornimenti di legname di prima classe, e la posizione di Mittenwald su un&#039;importante rotta commerciale transalpina significava buone opportunità di vendita - condizioni che erano disponibili per Matthias Klotz praticamente senza concorrenza locale. 
 Così la sua fiorente bottega fu in grado di impiegare numerosi apprendisti e tirocinanti, che a loro volta fondarono importanti famiglie di liutai. Oltre a maestri come Andreas Jais e Martin Tiefenbrunner, emersi dalla  famiglia Klotz , sono soprattutto i molti membri della dinastia Klotz stessa che hanno lasciato il segno nella storia dell&#039;influenza del loro fondatore. Le influenze e le dipendenze reciproche sono - come per molte grandi famiglie di artigiani comparabili - un campo di ricerca altrettanto interessante e ampio. In una lunga linea di più di 25 liutai che abbraccia otto generazioni, i Klotz mantennero un ruolo dominante nella liuteria della loro patria fino alla fine del XVIII secolo, e nella misura in cui i lavori dei loro singoli membri sono noti, essi rappresentano artigiani dotati e ben addestrati che sapevano come combinare la fedeltà alla tradizione familiare con l&#039;individualità e la creatività. Anche ottimi modelli indipendenti come quello di Matthias Hornsteiner «Dax», attivo nella seconda metà del XVIII secolo, non sminuiscono l&#039;importanza del violino di Klotz, ma lo affiancano come testimonianza di un artigianato regionale che ha continuato a perfezionarsi e differenziarsi. 
 Sebastian Klotz - il classico della liuteria di Mittenwald 
 L&#039;esponente più importante della prima generazione di liutai di Mittenwald dopo Matthias Klotz è senza dubbio suo figlio  Sebastian Klotz . Per quanto gli strumenti sopravvissuti permettano conclusioni affidabili, il figlio Sebastian Klotz superò suo padre e il suo maestro in innovazione e talento ed ebbe un&#039;influenza duratura sulla liuteria nella sua patria. Il suo modello di violino è «il» violino Klotz in senso stretto, e con esso Sebastian Klotz - ancor più di Matthias - ha dato un contributo artistico indipendente alla storia della liuteria. Tuttavia, nessun monumento fu mai eretto a Sebastian, e mentre Matthias Klotz divenne un&#039;icona della liuteria di Mittenwald alla fine del XIX secolo, solo i suoi strumenti - e le opere dei suoi figli, allievi e numerosi imitatori che li seguirono - parlano per suo figlio. 
 Proprietà e valore storico del violino Klotz 
 In termini di storia dello strumento, il modello Klotz è considerato come un percorso individuale tra i potenti modelli che hanno avuto un&#039;influenza decisiva sulla liuteria di quest&#039;epoca: la tradizione italiana di Nicolo Amati da un lato, e il modello tedesco di Jakob Stainer dall&#039;altro. Non bisogna dimenticare che l&#039;intera opera di Sebastian Klotz è caratterizzata da una notevole variabilità. Al più tardi quando aveva superato lo zenit del suo sviluppo come artigiano e si era affermato con successo, sembra aver permesso a se stesso e ai suoi collaboratori una maggiore libertà artistica - e questo non in dettagli puramente estetici, come i cambiamenti nella vernice o nel design delle pergamene, ma in questioni fondamentali della liuteria come la lunghezza del corpo, la mensurazione della cima e l&#039;altezza delle costole. Indipendentemente da queste variazioni stilistiche, tuttavia, si possono descrivere i tratti caratteristici del modello Klotz: un&#039;arcata medio-alta, flauti ad arco e ad orlo tipicamente sagomati, una pegbox elegantemente curva e il cartiglio dalla forma sicura, che irradia opulenza barocca con la sua bocca larga e precocemente impostata. L&#039;interno dei violini originali Klotz rivela anche importanti caratteristiche distintive all&#039;occhio esperto, specialmente nel design dei blocchi d&#039;angolo e dei cerchi. Le costole inferiori e superiori in un unico pezzo e la vernice sottile di un intenso colore marrone sono ulteriori caratteristiche distintive degli strumenti di Sebastian Klotz. 
 Georg II e Aegidius Klotz 
 Anche nella  terza generazione della famiglia Klotz  e dei suoi apprendisti, i momenti di variazione e di ulteriore sviluppo dell&#039;eredità tradizionale possono essere visti come la più importante caratteristica comune, persino scolastica. Così, nel caso di  Georg Klotz II , il figlio maggiore di Sebastian, è facile osservare come, partendo dal modello di suo padre, abbia gradualmente trovato il proprio stile completo. Questo si esprimeva non solo negli strumenti insolitamente grandi con i quali Georg Klotz si distingueva da molti liutai del suo tempo; egli andava anche sempre più per la sua strada nel design delle arcate, dei flauti e delle buche. Suo fratello  Ägidius Klotz , tuttavia, fu ancora più indipendente nel suo lavoro. Il suo mecenate, con il suo corto attacco superiore, ha un carattere inconfondibile, leggermente tozzo, che è ulteriormente enfatizzato dal fuso relativamente largo. Ancora più sorprendente che nel caso di suo padre Sebastian Klotz e della sua bottega, dove molto probabilmente Ägidius Klotz si è formato, è la mutevolezza delle mensole della coperta. Anche Aegidius Klotz ha eseguito il rotolo secondo un modello molto individuale, che è facilmente riconoscibile per la sua bocca molto corta. 
 Il violino Klotz nel contesto di altre tradizioni liutarie tedesche 
 Proprio per questi accenti individuali, la  storia del violino Klotz  testimonia che l&#039;epoca tra Stradivari e l&#039;affermazione diffusa dei principi della liuteria classica cremonese conobbe molte tradizioni autoctone, ognuna delle quali fiorì a sé stante e con forza normativa diversa, ma che produsse opere valide. In questo senso, Sebastian Klotz si trova accanto a Caspar Hopf di Klingenthal, per esempio, che era un artigiano dotato di una potenza innovativa paragonabile e - almeno a livello regionale - di influenza duratura. Anche gli strumenti a corda barocchi dall&#039;aspetto rustico della cosiddetta Scuola Alemanno in Svizzera e nella Foresta Nera meridionale hanno ricevuto nuova attenzione negli ultimi tempi. Questa attenzione non è dovuta solo agli interessi museali e accademici; piuttosto, gli approcci artistici del movimento della musica antica hanno fatto sì che la «contemporaneità musicale» di questi strumenti sia apprezzata anche nella pratica. 
 Questa visione ancora relativamente recente e più differenziata della storia della liuteria libera le realizzazioni storiche come il violino Klotz dal corsetto della loro monumentale storicizzazione, e chiarisce ancora una volta che non furono necessariamente gli svantaggi tangibili a portare alla diffusa estinzione di queste scuole indipendenti da Stradivari. La fine dell&#039;era Klotz arrivò, come altrove, principalmente come risultato dell&#039;industria editoriale e dell&#039;industrializzazione della liuteria a Mittenwald, che portò anche una maggiore standardizzazione dell&#039;artigianato e rivoluzionò il mercato degli strumenti ad arco. Questi sviluppi cambiarono fondamentalmente la funzione del mestiere tradizionale e dei suoi illustri maestri, che non scomparvero, ma trovarono un nuovo ruolo meno determinante in un mondo musicale cambiato - o, come Matthias Klotz, divennero mitici garanti dei loro successori, che da tempo producevano per un mercato globale. Con un raro violino di Georg I. Kloz, il primo figlio di Matthias Klotz, i violini Corilon hanno donato uno strumento chiave nella storia della liuteria di Mittenwald al museo della liuteria di Mittenwald: Georg Kloz, violino dal 1722. 
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            <title type="text">Ludwig Bausch: Il «Tourte tedesco»</title>
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                                            Ludwig Bausch - Ludwig Bausch e figlio: sulla vita e il lavoro del troppo poco conosciuto costruttore di archi tedesco e dei suoi figli
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                 Ludwig Bausch bow maker - Ludwig Bausch e figlio: Sulla vita e il lavoro del troppo poco conosciuto costruttore di archi tedesco e dei suoi figli 
 Il archettaio   Ludwig Bausch (1805-1871)  &amp;nbsp;è uno dei grandi maestri dell&#039;arco europeo a cui è stato ampiamente negato un adeguato apprezzamento storico. Questa negligenza è sorprendente solo a prima vista, perché nonostante l&#039;importanza dell&#039;arco per l&#039;esecuzione e lo sviluppo storico del violino, della viola e del violoncello, anche i costruttori di archi più eccezionali non godono da nessuna parte della fama di costruttori di violini come Stradivari, Pressenda o Vuillaume. Le ragioni di questa disparità sono probabilmente da ricercare nella particolare competenza richiesta per valutare la qualità e la provenienza di un arco. L&#039;incertezza causata dalle numerose e facili copie prodotte dei timbri maestri dei grandi costruttori di archi può anche contribuire. Questo destino è condiviso anche dal timbro «Bausch», che è rivendicato da un gran numero di archi falsi di qualità discutibile. Così, le opere autentiche della casa di Bausch sono ancora oggi molto apprezzate, ma solo nei circoli elitari di intenditori ed esperti. In un pubblico più ampio, questo nome importante può essere considerato un consiglio da insider. 
 Tuttavia, l&#039;opera di Ludwig Bausch, nato a Naumburg nel 1805, può legittimamente rivendicare un rango storico: egli introdusse l&#039;arco moderno in Germania, seguendo l&#039;esempio del maestro francese François Xavier Tourte, sotto forma di un proprio modello di arco completamente indipendente. Con questo arco si guadagnò il nome onorario di  «Tourte tedesco» , che va inteso nel senso patriottico della fine del XIX secolo, ma è anche molto appropriato in considerazione dell&#039;influenza che Ludwig Bausch esercitò su generazioni di costruttori di archi tedeschi. 
 Come Bausch sia arrivato a fabbricare archi è una delle domande senza risposta della storia. Dopo essersi formato come liutaio e violinista presso il costruttore di strumenti di corte di Dresda Johann Benjamin Fritzsche, Bausch si stabilì nella metropoli dell&#039;Elba nel 1825 prima di trasferirsi a Dessau nel 1828. È lì che Bausch deve aver fatto i passi decisivi verso lo sviluppo del suo modello di arco, presumibilmente in contatto con il grande violinista, compositore e pedagogo  Louis Spohr , che da parte sua era una delle personalità musicali più influenti del suo tempo - anche se non ci sono prove che i due maestri abbiano lavorato insieme. 
 Nel 1839 Ludwig Bausch, che nel frattempo era avanzato alla posizione di costruttore di strumenti di corte a Dessau, si trasferì a Leizpig, dove si dedicò quasi esclusivamente alla costruzione di archi. La posizione di costruttore di strumenti di corte a Nassau, che Ludwig Bausch tenne a Wiesbaden dal 1861-1863, non era ovviamente abbastanza attraente e rimase un intermezzo. Premiata con una medaglia d&#039;argento all&#039;esposizione industriale sassone del 1840, l&#039;azienda Bausch continuò la sua costante storia di successo, anche grazie ai figli di Ludwig Bausch: dopo che Ludwig Bausch Jr. aveva trascorso anni di apprendistato a New York e Otto Bausch si era formato sotto Jean Vauchel, dal 1860 in poi ampliarono l&#039;azienda per formare la manifattura  «Ludwig Bausch &amp;amp; Sohn» , che si affermò rapidamente a livello internazionale. Con la morte precoce dei fratelli - Ludwig Jr. morì nel 1871 poche settimane prima di suo padre, Otto nel 1875 - questa promettente dinastia di costruttori di archi ebbe una fine precoce. La loro azienda, tuttavia, continuò a beneficiare del lavoro di una vita della famiglia fino alla sua dissoluzione nel 1908, guidata da Adolf Wilhelm Eduard Paulus, dipendente di lunga data della Bausch, e da suo figlio Adolf Paulus Jr. 
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            <title type="text">Eugène Nicolas Sartory: il classico moderno della fabbricazione di archetti</title>
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                                            Sulla vita e l&#039;opera di Eugène Nicolas Sartory, il grande costruttore di archetti parigino e maestro classico della sua arte
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                 Eugène Sartory. Sulla vita e il lavoro del grande costruttore di archi parigino e maestro classico della sua arte. 
 Gli archi del maestro parigino Eugène Sartory (1871 - 1946) sono tra le opere più ricercate dell&#039;arco moderno da più di 100 anni. Le sue opere esteticamente compiute e superbamente equilibrate possono essere interpretate come ulteriori sviluppi dei modelli di François Nicolas Voirins e Joseph Alfred Lamy Père - e sono considerate lo standard classico dell&#039;arco nella tradizione del grande  François Xavier Tourte . 
 Panoramica Eugene Nicolas Sartory: 
 
  Eugène Sartory - Educazione e maturità  
  E. Sartory - un segno distintivo della più alta qualità musicale e dello stile squisito  
  Classifica e impatto di Eugène Sartory  
 
 Eugène Sartory - Educazione e maturità 
 Eugène Nicolas Sartory è nato a Mirecourt il 22 settembre 1871 e ha imparato l&#039;arte dell&#039;arco da suo padre. Non ancora ventenne, divenne un dipendente di Charles Peccatte a Parigi nel 1890 e poco dopo lavorò per il leggendario Joseph Alfred Lamy Père prima di aprire il proprio laboratorio sul Boulevard Nouvelle nel 1893. Nei dodici anni seguenti, Eugène Sartory portò a maturazione il suo modello di arco individuale, che produsse per tutta la sua vita nella più alta e sorprendente qualità omogenea - una qualità che è considerata una delle caratteristiche più importanti degli archi Sartory autentici ed è la base delle loro famose qualità di gioco. 
   
 E. Sartory - un segno distintivo della più alta qualità musicale e dello stile squisito 
 Sia nella sua prima fase di lavoro, in cui Eugène Sartory lavorava principalmente con il pernambuco scuro, sia nel periodo successivo, più &quot;leggero&quot;, spesso dava ai suoi archi una finitura particolarmente pregiata con l&#039;ebano, le migliori montature in argento e oro, la lavorazione a tartaruga e la pelle del pollice in pelle di lucertola. Teste compatte e perfettamente formate sono tra le caratteristiche più distintive della &quot;firma&quot; Sartory. 
 Classifica e impatto di Eugène Sartory 
 L&#039;eccezionale importanza che Eugène Nicolas Sartory raggiunse precocemente nel mondo della musica può essere vista nelle numerose copie e falsificazioni dei suoi archi che iniziarono intorno al 1920 - e, curiosamente, nell&#039;errato necrologio che &quot;The Violinist&quot; pubblicò nel 1914 per il maestro che era presumibilmente morto nella prima guerra mondiale. E. Sartory raggiunse lo status di classico anche grazie ai suoi collaboratori, il cui lavoro influenzò in modo decisivo: Louis Morizot (1874-1957) a Parigi e  Hermann Prell  (1875-1925) a Markneukirchen divennero essi stessi costruttori di archi di fama internazionale. Louis H. Gillet (1891-1970), considerato da molti solisti un maestro all&#039;altezza di Sartory, lavorò con Eugene Sartory dal 1934 fino alla sua morte il 5 marzo 1946. 
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            <title type="text">Joseph Alfred Lamy Père: una figura chiave nella fabbricazione di archi moderni</title>
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                                            Il archettaio francese Joseph Alfred Lamy père (1850-1919): sulla vita e l&#039;opera del grande costruttore di archi parigino e allievo di Voirin
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                 Joseph Alfred Lamy Père: sulla vita e l&#039;opera del grande costruttore di archi parigino e allievo di Voirin 
 Il archettaio francese  Joseph Alfred Lamy père (1850-1919)&amp;nbsp;(Lamy Père)  è uno dei più importanti maestri dell&#039;arte moderna dell&#039;arco francese, attivo da  Jean-Baptiste Vuillaume  (1798-1875), ha rivisto l&#039;opera epocale di François Xavier Tourte (1747/48-1835). Senza negare l&#039;enfasi indipendente del suo modello di arco, Joseph Alfred Lamy può essere inteso come un costruttore di ponti da Tourte al ventesimo secolo. Oltre al loro significato per la storia dello strumento, il lavoro di Lamy soddisfa anche le richieste dei musicisti esigenti di oggi, ed è per questo che gli archi con il marchio «A. Lamy a Paris» sono tra gli archi storici più ricercati. 
 Lamy Père, come viene spesso chiamato per distinguerlo da suo figlio Hippolyte-Camille Lamy «Fils» (1875-1942), è nato a  Mirecourt  nel 1850. All&#039;età di dodici anni iniziò il suo apprendistato nella bottega di Charles Claude Nicolas Husson. Dal 1868 lavorò per il grande costruttore di strumenti Gautrot a Château Thierry, dove probabilmente incontrò Joseph Voirin; una connessione che può aver contribuito a far entrare Lamy nella bottega di François Nicolas Voirin (1833-1885) nel 1876. Nel 1885, dopo la morte di Voirin, Joseph Alfred Lamy aprì il suo laboratorio in Rue du Faubourg Poissonière, Parigi, che fu continuato da suo figlio dopo la sua morte nel 1919. Le opere di Lamy furono premiate con medaglie d&#039;argento e d&#039;oro alle mostre di Parigi del 1889 e del 1890. 
 Come Voirin, che considerava il suo vero maestro, Lamy Père prese inizialmente spunto da Jean-Baptiste Vuillaume, che aveva realizzato ottimi archi da violino sulla base delle analisi di Tourte, ma ben presto smise di realizzarli lui stesso a causa del suo grande successo come liutaio, lasciandoli a collaboratori come Voirin. A differenza di Voirin, che mirava a un modello di arco il più leggero e sottile possibile, Joseph Alfred Lamy Pere, nella sua fase matura a partire dal 1889, rafforzò la bacchetta e l&#039;alettone. Il suo modello stabilì degli standard nella tendenza generale verso archi più pesanti che caratterizzò la produzione francese di archi alla fine del XIX secolo. Il suo allievo e collaboratore più importante fu  Eugène Sartory  (1871-1946), che è considerato un classico dell&#039;archeologia del XX secolo. 
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            <title type="text">John Dodd: una leggenda di conchiglie di ostriche e cucchiai d&#039;argento</title>
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                 John Dodd, il leggendario fondatore dell&#039;archetto da violino inglese, viveva e lavorava nelle condizioni più povere. Note sulla vita e sul lavoro. 
  Una figura tarchiata con un&#039;andatura traballante, che cammina a Londra tra pub scadenti e una povera stanza di officina, dove sono ammucchiate le assi di vecchie botti; vestita con un cappotto logoro, nelle cui tasche tintinnano gusci di ostriche che l&#039;artigiano sospettoso e completamente irritabile chiede insieme di raschiare la madreperla per gli archi di corda. Archi come l&#039;Inghilterra non ha ancora visto; archi i cui proventi sono spesi da tempo prima che lascino la sua casa e si mettano a stabilire la fama del loro creatore. La fama di un piccolo uomo che può scrivere poco più del suo nome, e che non farà mai una vita decente in tutta la sua vita.  
 John Dodd – Vita e opere: panoramica 
 
  John Dodd – Curriculum vitae  
  Archi di violino di John Dodd  
  John Dodd: una vita all&#039;insegna della povertà  
 
 &amp;nbsp; 
 Tra i primi maestri dell&#039;archetto moderno, molti dei qualovenivano da ambienti poveri, il  John Dodd  è sicuramente una delle figure più toccanti. Nato nel 1752 a Stirling, in Scozia, il figlio del fabbricante d&#039;archi Edward Dodd (1705-1810) divenne prima un armaiolo e un fabbricante di bilance d&#039;oro; professioni che attestano un talento meccanico fine sviluppato in modo eccellente e che si rifletteranno in seguito in supporti per archi di qualità. La sua carriera rivela presto una misteriosa parentela con il suo grande contemporaneo francese François Xavier Tourte (1747/48-1835), che è considerato l&#039;inventore del moderno archetto da violino e che si era formato inizialmente come orologiaio. 
 John Dodd: magnifici archi di violino costruiti in condizioni estremamente semplici 
 È una delle caratteristiche sorprendenti della storia che con François Xavier Tourte e John Dodd si sono sviluppati contemporaneamente due maestri che erano tra i più grandi delle loro corporazioni e che hanno raggiunto risultati epocali abbastanza simili nel loro lavoro senza aver saputo molto l&#039;uno dell&#039;altro. Nella loro complessa geometria e nel loro magistrale equilibrio le opere di John Dodd sono appena inferiori a quelle di Tourte, e se qualche difetto può essere loro attribuito è principalmente la lunghezza ridotta di alcune bacchette, che impone certe limitazioni al gioco solistico. 
 Questa caratteristica può in molti casi essere legata alle difficili circostanze in cui John Dodd doveva procurarsi i suoi materiali: i fori di chiodi nel pernambuco - di prima classe - di alcuni archi rivelano l&#039;origine del legno dalle assi di vecchie botti. In generale, John Dodd deve essersi distinto per un sorprendente dono per l&#039;improvvisazione, che gli ha permesso di costruire grandi archi di violino nelle circostanze più semplici. Non di rado si dice che John Dodd abbia ottenuto l&#039;argento per il montaggio di opere particolarmente buone dalle posate della sua governante. Utilizzava strumenti fatti in casa e curiosi per eseguire la tecnica di taglio non convenzionale che aveva sviluppato, il che spiegava l&#039;enorme stabilità dei suoi bastoni d&#039;arco. 
 John Dodd e la povertà 
 John Dodd, dalla sua esperienza quotidiana del bisogno, sembra aver visto nella sua abilità e conoscenza il capitale che non poteva essergli sottratto, purché lo nascondesse abbastanza bene. Nemmeno per la considerevole somma di 1.000 sterline rivelò il segreto di come tagliava il legno per una nuova barra; nessun apprendista fu introdotto nell&#039;arcano di questo maestro, che morì il 4 ottobre 1839, un uomo molto vecchio, completamente impoverito e malato, nell&#039;ospizio dei poveri di Richmond. Ciò che rimane sono i suoi archi magistrali, punti di riferimento nella storia degli strumenti, ai quali è stato uno dei primi ad apporre un timbro con il suo nome. I suoi marchi «Dodd» o «J. Dodd» diventarono rapidamente un marchio popolare con il quale numerose officine e manifatture rivendicarono il primo grande maestro dell&#039;arco inglese, che non volle mai stabilire una tradizione. 
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            <title type="text">Couesnon: la terza forza formatrice della liuteria moderna a Mirecourt</title>
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                 La storia della società Couesnon – Parte 4 della nostra serie sulla fabbricazione industriale di strumenti a corda in Francia 
 Il grande periodo di produzione industriale di strumenti musicali a Mirecourt, che iniziò nell&#039;ultimo quarto del XIX secolo e durò fino agli anni 30, diede spazio a un&#039;altra azienda nazionale, oltre a J.T.L. e Laberte Magnié, che può rivendicare importanza sia per il numero che per la qualità dei suoi prodotti. Nel 1885, il produttore parigino di strumenti a fiato  Gautrot Ainé &amp;amp; Cie , che era stato fondato quarant&#039;anni prima, iniziò a produrre strumenti a corda e seguì l&#039;esempio di Thibouville - anche questo con un netto ritardo. 
 Come prima alla J.T.L., un ex dipendente e allievo di Jean-Baptiste Vuillaume fu coinvolto in questa espansione,  Maurice Mermillot , che divenne il responsabile della fabbricazione degli strumenti a corda. Lo sviluppo della produzione, sempre localizzata a Parigi e a Mirecourt, fu essenzialmente parallelo a quello dei maggiori concorrenti, una costellazione che permise molti interessanti cambiamenti di personale: sotto  Amédée Couesnon , che dirigeva Gautrot dal 1887 e che darà alla ditta il suo nuovo nome, Georges Cherpitel fu strappato a Thibouville-Lamy nel 1901. Come Laberte, Couesnon riconobbe la crescente domanda di strumenti ad arco di alta qualità e nel 1913 si assicurò le necessarie competenze professionali fondendosi con il rinomato laboratorio di Léon Bernardel. Quanto l&#039;ambiente fosse diventato competitivo è infine dimostrato dal trasferimento di un altro impiegato di alto livello a Couesnon, Eugène Vincent Génod, che aveva lavorato per Laberte fino al 1927. 
  Capitolo seguente:  La fine delle grandi aziende di strumentazione di Mirecourt 
  Capitolo precedente:  Le aziende della famiglia Laberte 
 L&#039;epoca delle manifatture di Mirecourt 
 Bazin: Il grande nome di Mirecourt che fa gli archi 
 Chanot: Savoir-faire - La famiglia di liutai Chanot 
 Morizot, père et frères: la breve storia di una grande famiglia di costruttori di archi 
 Nel nostro catalogo online troverete vecchi violini di Mirecourt e di altri luoghi. 
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                            <updated>2019-12-05T16:23:00+01:00</updated>
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            <title type="text">I padri Bazin: il grande nome della fabbricazione di archetti da violino a Mi...</title>
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                                            La storia movimentata di una grande dinastia di costruttori d&#039;archi: François Xavier Bazin e Charles Nicolas Bazin lasciano la loro impronta sull&#039;arco francese
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                 Parte 1 della storia movimentata di una grande dinastia di costruttori d&#039;archi: François Xavier Bazin e Charles Nicolas Bazin lasciano la loro impronta sull&#039;arco francese &amp;nbsp;  
 I padri Bazin – Indice dei contenuti: 
 
  François Xavier Bazin  
  Charles Nicolas Bazin  
 
 François Xavier Bazin 
 Negli anni 1840, inizia a Mirecourt la storia della grande  famiglia di costruttori d&#039;archi Bazin , che è stata attiva per quattro generazioni e che ha lasciato la sua impronta nella fabbricazione degli archi francesi per più di cento anni: veri maestri della loro arte, la cui vita è stata segnata dalla storia turbolenta della loro epoca. A differenza di molti costruttori di archi del suo tempo,  François Xavier Bazin  iniziò la sua carriera nelle condizioni più favorevoli: Nato a Mirecourt il 10 maggio 1824, il fondatore della dinastia degli archi Bazin imparò la sua arte a Parigi sotto Dominique Peccatte e J. B. Vuillaume, che erano tra i più rispettati maestri del loro tempo. Quando François Xavier Bazin tornò a Mirecourt nel 1845, si sposò e aprì il suo laboratorio, i nomi famosi devono avergli aperto molte porte - se non erano già aperte, grazie alle ottime connessioni di suo padre Joseph Eustache B. (1785-1863), un trasportatore, mantenuto con i costruttori di strumenti della città. 
   Albero genealogico della famiglia Bazin  
 Charles Nicolas Bazin 
 François Bazin non rinnegò i suoi maestri, e così i suoi archi furono opere tipiche della scuola Peccatte fino al 1860 circa. Fu solo dopo che suo figlio  Charles Nicolas Bazin  si unì alla bottega del padre che le opere di padre e figlio si avvicinarono sempre più al modello di Voirin. Tuttavia, ancora prima che un obiettivo di questo sviluppo potesse diventare evidente, François Bazin divenne una vittima del colera che imperversava a Mirecourt il 1° agosto 1865. Charles Nicolas Bazin, che aveva solo 18 anni, dovette rilevare prematuramente il laboratorio del padre e sostenere anche la propria famiglia, che aveva fondato nel 1867.  Questa situazione lasciava ovviamente poco spazio all&#039;ulteriore sviluppo del suo stile personale, così che inizialmente continuò a lavorare secondo il vecchio modello di arco di suo padre e usò anche i timbri di suo padre. Charles Nicolas Bazin dimostrò di essere un degno erede e dal 1880 si era affermato come un uomo d&#039;affari di grande successo e un cittadino rispettato della sua città natale. Negli ultimi due decenni del XIX secolo, riprese a lavorare sul proprio modello di arco, perfezionando in particolare le teste degli archi, che ora portano anche il nuovo timbro «C. BAZIN». Dopo la fine del secolo impiegò fino a 17 persone, che devono aver prodotto più di 2.000 archi all&#039;anno, e gestì un commercio di grande successo di materiali e parti prefabbricate per la fabbricazione di archi. 
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 François Nicolas Voirin e il nuovo arco da violino francese 
 Originally published by Corilon violins. 
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                            <updated>2019-12-04T16:55:00+01:00</updated>
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            <title type="text">Liutai contemporanei: i nuovi artisti</title>
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                                            I liutai contemporanei a colpo d&#039;occhio: Informazioni sulla vita e il lavoro di eccezionali liutai del nostro tempo
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                 I liutai contemporanei a colpo d&#039;occhio: Informazioni sulla vita e il lavoro di eccezionali liutai del nostro tempo 
 La storia della liuteria ha prodotto grandi maestri del loro mestiere che hanno stabilito tradizioni e fissato standard che sono validi ancora oggi. L&#039;esame della loro eredità è giustamente parte integrante del curriculum nella formazione dei liutai, e quasi nessun liutaio contemporaneo negherebbe che i fondamenti della sua arte sono stati autorevolmente formulati generazioni fa.&amp;nbsp; 
 
  &amp;nbsp;  
 &amp;nbsp; 
 
 Liutai contemporanei: panoramica 
 
  Liutai dei giorni nostri: una fioritura dell&#039;arte  
  I giovani liutai e la nuova apertura del mestiere  
 
 Liutai dei giorni nostri: una fioritura dell&#039;arte 
 Tuttavia, molti liutai contemporanei si vedono all&#039;ombra dei loro famosi predecessori, e in effetti il fascino dei capolavori antichi spesso oscura la vista delle eccezionali realizzazioni del presente. Eppure non c&#039;è bisogno di dubbi test alla cieca in cui i vecchi  violini italiani  vengono contrapposti ai nuovi strumenti per capire che viviamo in un&#039;epoca ricca: Un&#039;epoca forse meno caratterizzata da innovazioni rivoluzionarie, ma da un alto livello di artigianalità nella liuteria che non deve temere il confronto con il suo periodo di massimo splendore storico. 
 I giovani liutai e la nuova apertura del mestiere&amp;nbsp;  
 I liutai contemporanei delle generazioni più giovani hanno molta meno paura del contatto e mantengono uno scambio aperto con i loro colleghi, il che giova a tutti. In questa panoramica dei liutai contemporanei, presentiamo in ritratti dettagliati alcuni maestri contemporanei selezionati che hanno catturato la nostra attenzione attraverso i loro buoni approcci, il profilo individuale e, naturalmente, l&#039;eccellente qualità del loro lavoro. Una lista che, ovviamente, non può mai essere completa: 
 Lista di liutai contemporanei 
 
 Christoph Götting, Geigenbauer, Geigenbaumeister, Wiesbaden, DE [Portrait] 
 Daniele Scolari, maestro liutaio, Cremona, IT [Portrait] 
 Jan B. Špidlen, Geigenbauer, Prag, CZ [Portrait] 
 Frank Ravatin, luthier, Vannes, FR&amp;nbsp; 
 Samuel Zygmuntowicz, violin maker, Geigenbauer, New York, USA [Portrait] 
 Roberto Regazzi, liutaio, Bologna, IT 
 Stephan von Baehr, Luthier, Paris, FR [Portrait] 
 Patrick Robin, violin maker, Angers, FR [Portrait] 
 Jacques Francais, Jacques Francais Rare Violins Inc., New York, USA 
 Hans Nebel, violin maker, restorer, New Jersey, USA 
 Joseph Curtin, violin maker, Ann Arbor, USA&amp;nbsp; 
 Franco Simeoni, Liuitaio, Treviso, IT&amp;nbsp; 
 Tibor Szemmelveisz, violin maker &amp;amp; restorer, London, UK&amp;nbsp; 
 Giorgio Grisales, Liutaio, Geigenbauer, Cremona, IT&amp;nbsp; 
 Cristiano Ferrazzi, Liutaio, Verona, IT&amp;nbsp; 
 David Munro, violin maker, Romsey, UK&amp;nbsp; 
 John Dilworth, Violin Viola &amp;amp; Cello Maker &amp;amp; Restorer, Oxford, UK&amp;nbsp; 
 Christopher Rowe and Elspeth Rowe, violin and viola makers, Welwyn, Herts, UK&amp;nbsp; 
 Andreas Hudelmayer, violin maker, fine new instruments, London, UK&amp;nbsp; 
 Christoph Germain, violin maker, Philadelphia, USA&amp;nbsp; 
 Roger Hargrave, violin maker, London, UK&amp;nbsp; 
 Peter Paul Prier, violin maker, Prier &amp;amp; Sons, Geigenbauer, Salt Lake City, USA&amp;nbsp; 
 David Burgess, violin maker, Ann Arbor, USA&amp;nbsp; 
 Benoit Rolland, bow maker, Boston, USA&amp;nbsp; 
 Christoph Landon, expert and violin maker, Geigenbauer, New York, USA&amp;nbsp; 
 Michael Darnton, violin maker, Chicago, USA&amp;nbsp; 
 Andrew Ryan, violin maker, Providence, Rhode Island, USA 
 
 Importanti liutai di ieri e di oggi 
 I seguenti liutai hanno lasciato un segno nella storia della loro corporazione o sono tra i suoi esponenti più interessanti al giorno d&#039;oggi. Una panoramica senza alcuna pretesa di completezza - in ordine cronologico 
 
  Giovanni Paolo Maggini  (1580-1632) 
  Nicolò Amati  (1596-1684) 
  Jacob Stainer  (1618-1683) 
  Antonio Stradivari  (1648-1737) 
  Caspar Hopf  (1650-1711) 
  Mattia Klotz  (1653-1743) 
 Carlo Giuseppe Testore (ca. 1660-1716) 
  Sebastian Klotz  (1696-1775) 
  Giuseppe Guarneri del Gesù  (1698-1744) 
  Nicolò Gagliano  (1710-1785) 
 Giovanni Battista Guadagnini (1711-1786) 
  David Christian Hopf senior  (1734-1803) 
 Giovanni Francesco Pressenda (1777-1854) 
  Jean-Baptiste Vuillaume  (1798-1875) 
  Joseph Hel  (1842-1902) 
 Leandro Bisiach (1864-1946) 
 Gaetano Sgarabotto (1878-1959) 
 
 &amp;nbsp; 
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 All&#039;ombra delle fabbriche:  liutai cinesi e liutai di Taiwan  
  Liutai a Mittenwald - maestri contemporanei  
  Biblioteca  - raccolta di testi sulla storia della liuteria 
  Violini contemporanei e vecchi maestri a Corilon violins &amp;nbsp; 
 Originally published by Corilon violins. 
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            <title type="text">Liutai contemporanei a Mittenwald</title>
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                                            I liutai di Mittenwald di oggi mantengono la loro tradizione nell&#039;artigianato vivo. Panoramica dei liutai nella tradizionale città liutaria di Mittenwald - ritratta e raccomandata da Corilon violins
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                 Liutai a Mittenwald: una panoramica dei maestri di oggi in questa tradizionale città di liuteria 
 Mittenwald, la tradizionale città di liuteria dell&#039;Alta Baviera, è un luogo saldamente ancorato nella storia della liuteria europea: attraverso le realizzazioni storiche di un Matthias Klotz e di suo figlio Sebastian Klotz, nel lavoro di Matthias «Dax» Hornsteiner e attraverso le aziende di successo mondiale delle famiglie Baader e Neuner &amp;amp; Hornsteiner. Questi nomi di grandi liutai sono certamente solo un accenno alla storia della liuteria di Mittenwald, e chiunque visiti il grazioso villaggio nell&#039;alta valle dell&#039;Isar può facilmente avere l&#039;impressione di vagare in un grande museo della liuteria.  
 Ma niente potrebbe essere più lontano dalla verità, perché anche al giorno d&#039;oggi, Mittenwald è un luogo estremamente vivace per la liuteria contemporanea: la scuola professionale statale per la costruzione di strumenti musicali è un&#039;istituzione internazionale, e oggi numerosi liutai e maestri liutai assicurano nei loro laboratori a Mittenwald che la tradizione liutaria dei loro predecessori rimane viva e vegeta. Corilon violini ha mantenuto relazioni speciali e amichevoli con i liutai di Mittenwald per molti anni, ed è per questo che in questa pagina forniamo una panoramica di eccellenti liutai e laboratori di liuteria nella piccola città ai piedi delle montagne Karwendel. 
 Liutai contemporanei a Mittenwald 
 
  Anton Sprenger, Maestro liutaio:  Nuova costruzione, regolazione del suono - Im Gries 10, Mittenwald, Tel. 08823 4026 
  Joachim Roy, Maestro liutaio:  Restauro, regolazione del suono - Riedscharteweg 2, Mittenwald, Tel. 0882394011 
  Anton Maller, Maestro liutaio:  Nuova costruzione - Obermarkt 2, Mittenwald, Tel. 08823 5865 
  Rainer W. Leonhardt, Maestro liutaio:  Nuova costruzione, commercio - Mühlenweg 53, Mittenwald, Tel. 08823 8010 
  Thomas Wörnle Maestro liutaio:  Nuova costruzione - Klammstraße 32, Mittenwald, Tel. 08823 4613 
  Josef Kantuscher, Maestro liutaio:  Nuova costruzione - Burgbergstrasse 13, Mittenwald, Tel. 08823 8418 
  Florian und Maria Sandner, Maestro liutaio:  Nuova costruzione - Obermarkt 29, Mittenwald, Tel. 08823 8129 
 
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 Liutai contemporanei - L&#039;élite internazionale degli artisti 
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            <title type="text">Violini cinesi: Liutai contemporanei di Cina e Taiwan</title>
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                                            Gli altri violini cinesi: Rinomati maestri all&#039;ombra di fabbriche e manifatture. Una panoramica di eccellenti liutai della Cina e di Taiwan
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                 Gli altri violini cinesi: Rinomati maestri all&#039;ombra delle manifatture. Una panoramica di eccellenti liutai della Cina e di Taiwan 
 Chi sono i migliori liutai cinesi? I liutai cinesi di solito hanno la reputazione di produrre strumenti economici entry-level, e infatti la liuteria industriale cinese è uno dei settori in cui l&#039;economia cinese ha goduto di un notevole successo internazionale. I paralleli con la liuteria sassone del XIX e dell&#039;inizio del XX secolo, per esempio, sono inconfondibili - anche se la storia non si ripete mai. Come le manifatture nell&#039;angolo della musica intorno a Schönbach e Markneukirchen circa 100 anni fa, le opere cinesi oggi sono all&#039;apice della loro influenza globale. E anche nel nostro tempo, al di sopra della massa di violini cinesi più semplici, non bisogna dimenticare quegli eccellenti maestri che, spesso come imprenditori e insegnanti di successo, coltivano l&#039;artigianato tradizionale a un livello eccellente. C&#039;è da aspettarsi che i liutai taiwanesi e i liutai e archettai cinesi cambieranno l&#039;immagine della loro arte negli anni a venire, proprio come fecero ai loro tempi personalità del calibro di  Ernst Heinrich Roth  e  Hermann Richard Pfretzschner  (H. R. Pfretzschner). Nella seguente panoramica, presentiamo i nomi, le vite e le opere di maestri eccezionali del nuovo mondo orientale della liuteria. 
     
 Ritratti di liutai cinesi: 
 
  Zheng Quan  
  Ming-Jiang Zhu  
  Gao Tong Tong  
  Lin Dian-Wei  
  David Lien  
  Chiao Chung-Hsing  
  Shu Sheng Kot  
  Feng Jiang  
 
 Zheng Quan 
 Zheng Quan è arrivato alla scuola di liuteria di  Cremona  nel 1983 con solo una conoscenza di base dell&#039;italiano - come primo studente cinese di liuteria in assoluto. Tuttavia, aveva una certa conoscenza precedente del mestiere, avendo già imparato la sua arte all&#039;Istituto di Ricerca Musicale di Pechino sotto Dai Hongxiang. Zheng Quan è nato a Shanghai nel 1950 e ha iniziato a suonare il violino all&#039;età di cinque anni. Come intellettuali, i suoi genitori furono vittime dell&#039;espropriazione sistematica della classe superiore durante la Rivoluzione Culturale, e così il giovane Zheng Quan fu anche privato del suo violino. Come parte dei programmi di rieducazione imposti dallo stato, fu costretto a lavorare come contadino in un villaggio della provincia di Anhui per sette anni. Verso la fine del periodo rivoluzionario, Zheng Quan fu assunto come violinista in un piccolo gruppo di musica e danza dove si distinse per la sua abilità nella riparazione degli strumenti; questo gli aprì la strada per unirsi a Dai Hongxiang e infine all&#039;Italia settentrionale, dove rimase fino al 1988 per affinare le sue abilità nella costruzione e nel restauro di strumenti a corda. Ispirato dall&#039;intenzione di formare una nuova generazione di eccellenti liutai cinesi, Zheng Quan assunse poco dopo la direzione dell&#039;Istituto di liuteria e ricerca sul violino al Conservatorio Centrale di Musica di Pechino. Vincitore di più di 20 premi in concorsi internazionali - compreso un primo premio per il suono all&#039; Ente Triennale di Cremona  nel 1991 - e presidente dell&#039;Associazione dei liutai cinesi, Zheng Quan ha agito, tra l&#039;altro, come iniziatore e organizzatore dei due concorsi internazionali di liuteria cinese tenuti a Pechino fino ad oggi. 
 Ming-Jiang Zhu 
 Figlio di due ragionieri a Guangzhou, nel sud della Cina, nel 1956, Ming-Jiang Zhu è cresciuto senza aver mai visto un violino. Anche Ming-Jiang Zhu è stato colpito dai programmi di rieducazione dello Stato e da adolescente ha dovuto lavorare duramente nei campi di canna da zucchero nella provincia di Panyu. Quando la scuola di liuteria di Guangzhou fu fondata nel 1976, Ming-Jiang Zhu fece domanda per un posto - principalmente per sfuggire al lavoro agricolo. A causa del suo talento come scultore del legno, fu accettato come uno dei soli 25 studenti. A scuola, Ming-Jiang Zhu, che originariamente voleva diventare un falegname come suo padre o un pittore, scoprì il suo entusiasmo per la liuteria sotto la guida dei maestri liutai Xu Fu e Liang Gouhui - e ancora una volta dimostrò di essere estremamente talentuoso. Dopo aver completato la sua formazione, il liutaio cinese Ming-Jiang Zhu arrivò al Research Institute for Musical Instruments di Guangzhou, dove continuò i suoi studi teorici e pratici di liuteria. Nel 1991, ha aperto il suo &quot;laboratorio&quot; in una strada laterale di Guangzhou - poco più di un angolo della sua casa di 20 metri quadrati - che sarebbe poi diventato la società &quot;Noble Heart Violins, Ltd.&quot; che ha sede ancora oggi in città. Nel 1986, Ming-Jiang Zhu ha partecipato per la prima volta al Concorso Internazionale di Liuteria VSA e ha ricevuto un certificato onorario per l&#039;artigianato per il suo violino presentato. Ora può guardare indietro a 19 premi al Concorso VSA, tra cui due medaglie d&#039;oro e due d&#039;argento. Nel 2010, Ming-Jiang Zhu è stato nominato come giurato di artigianato al primo concorso internazionale cinese di liuteria. Ming-Jiang Zhu è vicepresidente dell&#039;associazione dei liutai del suo paese e dal 2008 è membro dell&#039;Entente Internationale des Maîtres-luthiers et Archetiers d&#039;art. 
 Gao Tong Tong 
 Gao Tong Tong è il primo liutaio cinese a vincere un premio all&#039;importante concorso di liuteria Henryk Wieniawski a Poznan. Gao Tong Tong, che suona il violino dall&#039;infanzia, ha imparato a costruire strumenti a corda da giovane adulto. Dopo essersi diplomato al Conservatorio Centrale di Musica di Pechino, Gao Tong Tong ha frequentato la scuola di liuteria di Cremona per migliorare ulteriormente le sue capacità. Allo stesso tempo, ha fatto l&#039;apprendistato con il  maestro cremonese Gio Batta Morassi , che, tra l&#039;altro, ha dato a Gao Tong Tong gli strumenti per ottenere ottimi risultati alla Triennale e anche per avere successo a Poznan - nel 1996 Gao Tong Tong ha raggiunto il quarto posto.  Nello stesso anno, è tornato in Cina come liutaio e ha aperto il suo laboratorio a Pechino nel 1998, dove continua a fare strumenti di alta qualità fino ad oggi, aderendo coscienziosamente ai principi di liuteria dei vecchi maestri italiani. 
 Lin Dian-Wei 
 Lin Dian-wei costruì il suo primo violino in un piccolo garage su un semplice tavolo di carte, seguendo le istruzioni di un libro di riferimento sulla liuteria. Oggi, il liutaio taiwanese gestisce il suo laboratorio a Taichung, Taiwan, e organizza workshop di liuteria per promuovere lo sviluppo del mestiere nel suo paese. Il biochimico che ha studiato ha sempre amato il suono e la forma del violino; quando ha rilevato l&#039;azienda di lavorazione del legno di suo padre nel 2002, ha anche iniziato a immergersi nell&#039;arte della liuteria nel suo tempo libero - nel &quot;coronamento della lavorazione del legno&quot;, come dice lui. Deve la sua vasta conoscenza dei diversi tipi di legno e delle loro proprietà al suo background in questo settore. Inoltre, portò con sé conoscenze nel campo della meccanica, della fisica e della chimica - fattori che collaborarono favorevolmente nella sua autoformazione come liutaio. Un blog in cui riportava le sue esperienze di &quot;liutaio per hobby&quot; lo rese famoso, e presto fu in grado di espandere il suo laboratorio e trasmettere le sue conoscenze a due primi studenti. La sua instancabile ricerca della perfezione gli ha portato molti onori; il più grande successo fino ad oggi è stata una nomination al Concorso Internazionale di Liuteria di Cremona. 
 David Lien 
 È stata la sua insoddisfazione per la scelta di strumenti disponibili che ha dato al violinista taiwanese David Lien l&#039;idea di diventare lui stesso un liutaio. Nato nel 1961 a Keelung, una città portuale vicino a Taipei, David Lien ha studiato musica nel suo paese natale e, dal 1988, al Conservatorio Franz Schubert di Vienna. Come membro dell&#039;Orchestra Sinfonica di Taipei e docente in varie scuole di musica, David Lien ha cercato per anni lo strumento perfetto per lui senza mai trovarlo. Nel suo tempo libero, è stato quindi introdotto alla tradizione e alle tecniche di costruzione di strumenti in un laboratorio di liuteria viennese. Dopo ulteriori studi ed esperimenti intensivi, David Lien aveva finalmente raggiunto un livello di competenza ammirevole, così che nel 1997 fu in grado di fondare la manifattura &quot;Galaxias&quot;, che dal 2000 porta il nome della società &quot;Lien Violins Instruments Ltd&quot;. Nel suo laboratorio di Taipei, David Lien realizza violini d&#039;artista di alta qualità. Con i suoi violini, sempre rigorosamente orientati ai vecchi principi della liuteria cremonese, ha ottenuto un notevole successo di vendite in varie mostre di strumenti, come la &quot;Cremona Mondomusica&quot;, la fiera della musica di Francoforte o la &quot;Music China&quot; di Shanghai. 
 Chiao Chung-Hsing 
 Nato a Keelung nel 1959, era già chiaro a Chiao Chung-hsing al liceo che avrebbe perseguito una carriera come cantante. Così il violinista cinese Chiao Chung-hsing ha studiato canto al College of Arts di Taipei fino al 1986 e poi è andato in Italia. Lì il suo destino prese una piega inaspettata: Chiao Chung-hsing subì un grave infortunio che gli rese impossibile continuare a cantare. Invece, entrò in contatto con un mentore che gli aprì la strada del successo nella liuteria:  Francesco Bissolotti . Il maestro cremonese prese Chiao Chung-hsing sotto la sua ala, gli insegnò nella sua bottega e finanziò persino la sua formazione alla scuola locale di liuteria dal 1988 al 1992. Che Francesco Bissolotti avesse valutato correttamente il potenziale di Chiao Chung-hsing fu dimostrato al più tardi quando ottenne il 16° posto al concorso di liuteria di Cremona nel 1991 e una medaglia d&#039;argento per la creta al concorso VSA in Pennsylvania nel 1992. All&#039;età di 33 anni, Chiao Chung-hsing è tornato in patria - ansioso di condividere la sua ricchezza di esperienza con i suoi colleghi taiwanesi. Chiao Chung-hsing ora insegna alla National Taiwan University of Arts nel distretto Banqiao della città di New Taipei e tiene corsi di liuteria nel suo laboratorio per persone interessate di tutte le discipline.&amp;nbsp; 
 Shu Sheng Kot 
 Il materiale per il primo violino autocostruito di Shu Sheng Kot consisteva nelle singole parti di una poltrona smontata e di un tavolino smontato. Il liutaio cinese, cresciuto a Shanghai, aveva sentito una registrazione di un concerto per violino da adolescente e si innamorò così follemente della musica classica che insegnò a suonare il violino su un violino di fabbrica da 14 dollari. Tuttavia, le limitate possibilità tonali di questo strumento presto non lo soddisfarono più - e il suo violino personale, fatto con vecchi mobili, divenne il punto di partenza di una carriera notevole. Come alcuni dei suoi colleghi cinesi di questa generazione, Shu Sheng Kot ha dovuto fare lavori agricoli per diversi anni dopo il diploma. Ma mentre faceva il suo dovere nelle risaie della provincia dello Yunnan, Shu Sheng Kot continuava a costruire violini e archetti da violino - seguendo le istruzioni dei libri - che riusciva anche a vendere con successo nel paese. Alla fine, Shu Sheng Kot ha avuto la possibilità di trasferirsi a Sydney, dove ha lavorato come restauratore per la Sydney Symphony Orchestra, tra le altre cose. Da lì, senza parlare una parola di italiano, ha raggiunto Pierangelo Balzarini e  Alessandro Voltini  a Cremona, che lo hanno formato ulteriormente prima di aprire il suo primo laboratorio a Philadelphia nel 1991. Oggi gestisce l&#039;azienda &quot;Kot&#039;s Violins&quot; a Bryn Mawr e realizza strumenti e archi per i membri della Philadelphia Orchestra, tra gli altri. I numerosi premi di Shu Sheng Kot includono un certificato di artigianato per un violino e diverse medaglie d&#039;oro per gli archi in vari concorsi VSA, la medaglia d&#039;oro &quot;Walter-Stauffer&quot; per le speciali qualità acustiche di un violino all&#039;Ente Triennale di Cremonese nel 1991 e una medaglia d&#039;oro per un arco da violino al Concorso Internazionale di Liuteria a Mittenwald nel 2010. 
 Feng Jiang 
 Feng Jiang ha imparato l&#039;arte della liuteria da suo padre a Pechino; ha costruito il suo primo strumento da adolescente nel 1989. Alla fine degli anni &#039;90, Feng Jiang si è unito a William Harris Lee a Chicago e successivamente agli &quot;Alf Studios&quot; di Ann Arbour, Michigan, dove vive e lavora ancora oggi. Le opere di Feng Jiang si possono ammirare in mostre internazionali, tra cui &quot;Klanggestalten&quot; a Berlino. Feng Jiang è un membro della Violin Society of America e della Federazione americana dei costruttori di violini e archi. In diversi concorsi VSA, Feng Jiang ha ottenuto medaglie d&#039;oro e d&#039;argento con i suoi violini e viole presentati. Ha anche partecipato al concorso della British Violin Making Association nel 2004 con grande successo.&amp;nbsp; 
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            <title type="text">Daniele Scolari e la seconda generazione di liutai cremonesi</title>
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                 Daniele Scolari è un liutaio il cui percorso è iniziato nella nuova scuola di Cremona - ritratto di un rappresentante della «seconda generazione». 
 Daniele Scolari è un liutaio il cui percorso è iniziato nella nuova scuola di Cremona - Ritratto di un rappresentante della «seconda generazione». La rinascita della liuteria cremonese negli anni &#039;50 e &#039;60 aprì una nuova fioritura dell&#039;arte di Stradivari nella sua patria del nord Italia. Il fatto che questo risveglio non sia diventato una nota a piè di pagina nella storia della cultura non è dovuto solo a maestri come Pietro Sgarabotto, Gio Batta Morassi o Francesco Bissolotti, che hanno dato forma alla nuova «Scuola di Liuteria». Perché senza i liutai di talento della seconda e terza generazione, senza la loro fedeltà alle tradizioni riscoperte dei vecchi maestri e la loro disponibilità a condividere le loro conoscenze nell&#039;insegnamento e nella cooperazione collegiale, questa storia avrebbe probabilmente preso un corso diverso. 
 Tra i suoi importanti protagonisti c&#039;è  Daniele Scolari , nato nel 1961, che si è formato sotto la guida di Gio Batta Morassi e si è laureato con successo nel 1979 - come il fratello maggiore Giorgio Scolari nove anni prima, che in seguito ha lavorato per sei anni nel laboratorio del suo maestro. A partire dal 1980, ha trasmesso la sua profonda conoscenza della nuova scuola cremonese a Daniele Scolari, che ha potuto perfezionare e individuare il suo stile nello studio comune. Ancora oggi, i due Scolaris gestiscono l&#039;azienda di famiglia in via Virgilio - uno dei primi indirizzi della città ricca di tradizione quando si tratta di strumenti a corda di qualità, e un simbolo dei legami multistrato tra le generazioni. 
 Nel costruire i suoi violini, viole e violoncelli, Daniele Scolari si ispira in gran parte ai modelli dei classici Stradivari e Guarneri. (Violino di Daniele Scolari, Cremona). Con le sue sfaccettate caratteristiche sonore e la sua caratteristica vernice bruno-arancione, Scolari si è guadagnato una buona reputazione ben oltre l&#039;Italia, e gode anche di un&#039;ottima reputazione come riparatore e restauratore. L&#039;eccezionale qualità del suo lavoro è confermata da una serie di importanti riconoscimenti: Già nel 1984, per esempio, ha ricevuto una medaglia d&#039;oro per la migliore vernice al concorso di liuteria di Bagnacavallo; una medaglia d&#039;argento per un violino vi è seguita nel 1986, e due medaglie di bronzo per un violino e una viola nel 1988. La sua costante presenza a fiere internazionali come «Mondomusica» e la sua nomina a giurato ai concorsi nazionali di liuteria di Pisogne e Mozzate sono la prova dello status di Daniele Scolari nella liuteria italiana contemporanea. 
 Al fine non solo di utilizzare in modo produttivo le conoscenze e le abilità che ha impartito lui stesso, ma anche di trasmetterle alla prossima generazione di giovani colleghi della corporazione, e quindi di perpetuare l&#039;importanza di Cremona nel futuro, Daniele Scolari lavora dal 1996 come insegnante di costruzione e laccatura nel suo ex centro di formazione. Anche in questo, ha seguito l&#039;esempio di suo fratello, che fa parte del collegio dal 1973; e come Giorgio, che ha studiato pianoforte e organo, Daniele Scolari coltiva una vita musicale impegnativa fuori dal laboratorio: Come organista di chiesa e direttore di un ensemble vocale e strumentale, è particolarmente affezionato alle composizioni del tardo Rinascimento e del Barocco - epoche dalle quali trae ripetutamente ispirazione decisiva, sia nella musica che nella liuteria. 
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            <title type="text">Nicolas Lupot - Il secondo grande nome della liuteria francese</title>
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 Insieme a J. B. Vuillaume,  Nicolas Lupot  ha lasciato la sua impronta sulla liuteria francese del XIX secolo. Un ritratto dell&#039;«altro maestro», dai violini Corilon Il violinista, compositore e direttore d&#039;orchestra Ludwig Spohr racconta nella sua auto-biografia del 1860 che fu «stupito» quando sentì per la prima volta il «suono pieno e potente» di un violino di Nicolas Lupot; lo acquistò immediatamente in cambio del suo vecchio strumento tedesco e lo suonò «da allora in poi, in tutti i suoi viaggi». Lo stupore di Spohr può essere visto come una realizzazione tardiva, poiché il lavoro di Nicolas Lupot era stato a lungo tenuto nella massima considerazione nella sua patria francese e aveva pienamente sviluppato il suo effetto formativo sulla liuteria. Come lo  «Stradivari francese»  e un insegnante molto ricercato, ha prodotto tutta una serie di eccellenti liutai nel corso della sua carriera, tra cui Charles-François Gand e Auguste Sébastien Philippe Bernardel, che più tardi uniranno le forze per formare la rinomata ditta «Gand &amp;amp; Bernardel». Per quanto riguarda la sua importanza per la moderna liuteria francese, Lupot è ancora di solito menzionato nello stesso respiro del suo famoso collega di corporazione Jean-Baptiste Vuillaume; egli stesso è passato alla storia della liuteria come fondatore di una scuola che porta il suo nome. 
 Nato il 4 dicembre 1758 nell&#039;importante famiglia di liutai Lupot a Mirecourt, Nicolas Lupot trascorse la sua infanzia a Stoccarda, dove suo padre, François Lupot, lavorava come «liutaio e violinista di corte» reale. François Lupot fu anche colui che introdusse suo figlio all&#039;arte della liuteria e gli insegnò la pratica, comune in Francia all&#039;epoca, di prendere spunti stilistici dagli ideali dei successivi maestri italiani. Orléans, dove la famiglia si trasferì nel dodicesimo anno di Nicolas Lupots, divenne il luogo della sua prima fase creativa. Intorno al 1794, il percorso di Nicolas Lupot lo condusse nella capitale francese e lì di nuovo nella bottega di François Pique, il cui lavoro era radicato in visioni estetiche molto simili come risultato della sua formazione a Mirecourt. Una collaborazione reciprocamente vantaggiosa durata diversi anni, ma anche una stretta amicizia, sono stati il risultato di questa relazione d&#039;affari. 
 Dopo quattro anni, Nicolas Lupot si è stabilito con i suoi studi sulla Senna: Inizialmente si stabilì in Rue de Grammont, seguito da un trasferimento in Rue Croix-des-Petits-Champs nel 1806. Lo stesso anno fu pubblicato «La Chélonomie ou le parfait luthier», un trattato sulla liuteria scritto dall&#039;Abbé Sibire, al quale Nicolas Lupot aveva dato un contributo decisivo. Nonostante tutto il suo orientamento verso il grande modello Stradivari, il lavoro di Lupot è caratterizzato da un&#039;inconfondibile indipendenza artigianale, che si esprime non solo in dettagli come la forma delle buche o gli intarsi in osso di balena che ha utilizzato; gli strumenti di Nicolas Lupot sono anche di carattere inconfondibile in materia di suono, che ha fatto un&#039;impressione così duratura su Spohr, tra gli altri. 
 A Nicolas Lupot fu dato un compito speciale a causa degli sviluppi politici in Francia dopo il Congresso di Vienna: nel corso della restaurazione della monarchettia, Luigi XVIII era salito al trono nel 1814 e nominò Nicolas Lupot, un rinomato maestro, come liutaio della cappella reale e fornitore della scuola musicale reale. Una distinzione che Nicolas Lupot, con giustificata sicurezza di sé, sottolineava sui suoi foglietti a partire dal 1815/16:  «N. Lupot Luthier de la Musique du Roi et de l&#039;École Royale de Musique» . Nicolas Lupot è morto a Parigi il 14.8.1824. 
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            <title type="text">Jan Špidlen: Arte, innovazione e sport</title>
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                 Jan Baptista Špidlen è uno dei liutai più impegnati e di successo - una storia familiare praghese tra arte e sport 
 L&#039;innovazione e l&#039;avanguardia sono una questione ovvia in molti rami delle arti e dei mestieri - nella liuteria, tuttavia, questa aspettativa gioca un ruolo piuttosto subordinato. Anche nel laboratorio del maestro praghese di fama mondiale  Jan Špidlen , le commissioni insolite sono l&#039;eccezione piuttosto che la regola. Eppure a  Jan Babtista Špidlen , come lui stesso rivela, non mancherebbero affatto idee nuove e audaci; ma il volume degli ordini di strumenti di alta qualità e di costruzione tradizionale è di solito così grande che difficilmente ha tempo per progetti artisticamente più progressisti. 
 Jan Baptista Špidlen – Vita e opere: 
 
  František Špidlen – Otakar Špidlen  
  Premysl Špidlen  
  Jan Špidlen  
 
 Un posto speciale di rilievo nella sua opera è quindi occupato dall&#039;originale violino che fece molto scalpore con la sua stravagante vernice: il «violino blu» di Jan Špidlen, costruito per il virtuoso ceco Pavel Šporcl. Nel progettarlo, però, Jan Špidlen non si limitò all&#039;insolita colorazione, ma dotò lo strumento anche di speciali caratteristiche strutturali per l&#039;ottimizzazione e la stabilizzazione del suono, tra cui una vite in titanio integrata nel manico e un rinforzo in fibra di carbonio della barra dei bassi. Nei circoli professionali, per esempio alla VSA Innovation Exposition 2006, Jan Špidlen si è guadagnato molti elogi per questi risultati. 
 Liutai František Špidlen - Otakar Špidlen 
 Jan Špidlen è la quarta generazione che gestisce l&#039;officina di suo padre. Il suo bisnonno  František Špidlen  lavorò prima come liutaio a Kiev e dal 1910 in poi a Praga. Fu seguito da suo figlio  Otakar Špidlen , che presto si guadagnò una grande reputazione come liutaio di talento, nonché come commerciante ed esperto ricercato. Sfortunatamente, i cambiamenti politici che spazzarono il paese dopo la seconda guerra mondiale dovevano diventare una seria minaccia per l&#039;esistenza indipendente di Otakar Spidlen: Il regime comunista che prese il potere nel 1948 vietò le imprese private. La casa e il laboratorio di Otakar Spidlen, che ora si trovavano in Jungmannstraße, furono confiscati. Come reazione a questo, Otakar Spidlen, insieme a persone che la pensavano come lui, cercò di fondare un circolo di liutai artistici, in modo che gli artisti avessero la possibilità di continuare a praticare la loro professione in modo indipendente. Questo ritiro al riparo dell&#039;officina allo scopo di praticare la loro arte in gran parte indisturbati era un&#039;opportunità per gli Špidlens che non era affatto disponibile ovunque: Nel centro violinistico boemo-sassone di Schönbach/Markneukirchen, a meno di 200 chilometri di distanza e un tempo economicamente forte ma dilaniato dalla guerra, il terrore socialista dell&#039;industrializzazione e della collettivizzazione stava avendo un effetto diffuso. 
 Liutaio Premysl Špidlen 
 Infine, fu il figlio di Otokar,  Premsyl Špidlen , a co-fondare l&#039;associazione dei liutai artistici dopo la morte di suo padre nel 1958. Anche Premsyl Spidlen passerà alla storia come un eccellente liutaio, anche se prima ha studiato violino al conservatorio di Praga e - nota bene - è stato membro della squadra nazionale ceca come sciatore dal 1946 al 1948. Per inciso, Premsyl Spidlen ha trasmesso entrambe le passioni - insieme alle sue abilità di violinista - a Jan Špidlen. Quest&#039;ultimo è stato membro della squadra nazionale di windsurf dal 1983 al 1984 ed era anche considerato uno dei migliori talenti di snowboard della Repubblica Ceca durante gli anni 90. 
 Liuatio Jan Spidlen 
  Jan Spidlen  costruì il suo primo violino quando era un allievo della scuola secondaria; fu poi suonato da nientemeno che dal violinista di fama mondiale Josef Suk. Dopo la sua formazione alla scuola di liuteria di Mittenwald, ha lavorato come restauratore nel rinomato laboratorio londinese «J. &amp;amp; A. Beare». Oltre a numerosi altri successi nelle competizioni, Jan Spidlen ha ricevuto nel 2003 il primo e il secondo premio per due violini con i quali ha partecipato al concorso di liuteria di Cremona, la Triennale cremonese, oltre a tre premi aggiuntivi per particolari meriti tonali e visivi; nessun liutaio aveva mai ricevuto più premi contemporaneamente a Cremona. Questo enorme successo fu probabilmente anche l&#039;impulso decisivo che portò a Jan Špidlen la marea di commissioni che continua senza sosta fino ad oggi - anche se, come già detto, questo purtroppo gli lascia poco tempo per la sperimentazione. 
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            <title type="text">Liutaio Patrick Robin - un maestro dell&#039;arte e dell&#039;insegnamento</title>
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                 L&#039;arte della liuteria di Patrick Robin combina un&#039;eccellente formazione e una ricca esperienza con una costante apertura - un ritratto dei violini Corilon 
 I semi della grande arte fioriscono nel rapporto tra maestro e allievo, e come la maggior parte dei mestieri esigenti, la liuteria ha prosperato fin dal Rinascimento sulla trasmissione fiduciosa della conoscenza pratica. Anche il maestro liutaio contemporaneo  Patrick Robin  ne è profondamente convinto, anche perché lui stesso ha avuto il privilegio di un&#039;eccellente educazione. Come costruttore rispettato e pluripremiato dei migliori strumenti ad arco, impartisce tradizionalmente le sue conoscenze nello spazio protetto del suo laboratorio, ma anche in workshop e congressi presso rinomati istituti di insegnamento come l&#039;Oberlin College o la scuola di liuteria di Santiago de Querétaro, in Messico. 
 Per la perfezione e la qualità squisita del suo lavoro e per la sua competenza come insegnante, Patrick Robin è stato elevato al rango di «Maître d&#039;art» dal Ministero della Cultura francese nel 2000. La testimonianza dei suoi studenti - come Antoine Cauche, lui stesso un liutaio ricercato e premiato oggi - dimostra che Patrick Robin ha tutto il diritto di detenere questo titolo. Descrive il suo ex maestro come un insegnante estremamente paziente che, nonostante tutta la sua accurata istruzione, permette anche una certa quantità di libertà creativa, che motiva e che è interessato a un rapporto di lavoro di fiducia. Ma anche Patrick Robin stesso trae beneficio dal lavoro con i suoi assistenti, come sottolinea. Fidarsi delle capacità crescenti dei suoi studenti e lasciare loro sempre più attività nel corso della loro formazione lo sfida altrettanto positivamente che confrontarsi con le loro domande esigenti. 
 Il percorso di Patrick Robin inizia alla scuola di liuteria di Newark, che ha lasciato nel 1984 con un premio per i risultati eccezionali. Successivamente è stato nominato da Roger Hargrave, già docente a Newark ed esperto di liuteria di fama mondiale, in un team internazionale di restauratori specializzati in preziosi strumenti ad arco delle vecchie scuole italiane. Lo studio approfondito di queste opere da parte di Patrick Robin gli ha permesso di realizzare delle copie eccellenti; e ancora oggi crea i suoi caratteristici strumenti - con tutta la loro indipendenza stilistica - interamente nello spirito dei loro modelli storici. 
 Ha vinto medaglie d&#039;oro per i suoi violini, viole e violoncelli in una serie di importanti concorsi di liuteria, tra cui il Concours Etienne Vatelot a Parigi e i concorsi di liuteria di Mittenwald e Manchester, e lui stesso è stato nominato come giurato in concorsi internazionali in diverse occasioni. Nel 1988, Patrick Robin si stabilisce a Les Ponts-de-Cé, a sud di Angers, dove inizialmente divide un laboratorio con Andrea Frandsen. Nel 2006, ha finalmente aperto il suo attuale studio in una villa sulle rive della Loira, dove riceve una clientela internazionale composta da membri di rinomate orchestre e gruppi da camera europei, per esempio il Quartetto Aron di Vienna o il Quartetto Zehetmair. Perché non è meno importante lo scambio fruttuoso con musicisti di prima classe attraverso il quale Patrick Robin espande costantemente il suo bagaglio di esperienza - come base solida di opere d&#039;arte di domani molto apprezzate. 
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            <title type="text">Liutaio Stephan von Baehr e l&#039;archettitettura del violino</title>
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                 Stephan von Baehr è una figura eccezionale tra i liutai della sua generazione. 
 Stephan von Baehr è un maestro del dettaglio e vede la sua arte come una ricerca dell&#039;archettitettura ideale. Il suo concetto si basa sulla constatazione che non c&#039;è nulla di accidentale nel comportamento vibrazionale di uno strumento a corda, e che la somma dei più piccoli cambiamenti fa la differenza. Con questa filosofia esigente, Stephan von Baehr si è guadagnato presto un&#039;ottima reputazione tra i musicisti professionisti e ha vinto premi tutt&#039;altro che scontati per un liutaio della sua generazione. 
 Stephan von Baehr – Vita e opere: panoramica 
 
  Stephan von Baehr: Educazione  
  I successi di Stephan von Baehr  
  Ispirazione da Stephan von Baehr  
 
 Liutaio Stephan von Baehr: Educazione 
 Nato a Schwerin nel 1972,  Stephan von Baehr  ha completato il suo apprendistato nel laboratorio di Reinhard Bönsch a Markneukirchen e ha imparato l&#039;arte della scultura in legno da Jochen Heinzmann. La caduta del muro di Berlino nel 1989 aprì opportunità inimmaginabili per l&#039;artigiano, che aveva appena completato la sua formazione, poiché ora era in grado di perfezionare le sue abilità in eccellenti laboratori europei. Tra questi, lo studio di Andreas Kägi a Berlino, dove Stephan von Baehr ha potuto studiare in dettaglio diversi strumenti Stradivari che venivano restaurati in quel periodo. Nel 1993 ha ottenuto un posto come restauratore di strumenti antichi con Bernard Sabatier a Parigi e ha superato l&#039;esame di maestro artigiano tedesco con il massimo dei voti l&#039;anno successivo. 
 I successi di liutaio Stephan von Baehr 
 Una pietra miliare nella carriera del giovane von Baehr doveva essere il «RNCM International Cello Festival» nel 1998, in cui uno strumento di sua mano ha ricevuto il massimo riconoscimento dalla giuria di esperti di prima classe guidata da Charles Beare. Incoraggiato dagli elogi ricevuti dai suoi colleghi professionisti, Stephan von Baehr si concentrò interamente sulla costruzione di un nuovo strumento. Mise in piedi il suo laboratorio nell&#039;importante Rue de Rome a Parigi, sostenuto dal suo ex maestro Sabatier. Oltre al suo successo a Manchester, Stephan von Baehr ha ottenuto medaglie d&#039;oro e d&#039;argento in diversi concorsi internazionali di liuteria, per esempio a Salt Lake City, Portland e Cleveland; al concorso di liuteria di Mittenwald nel 2001 ha ricevuto un premio speciale per il «miglior lavoro individuale» - un onore di cui è particolarmente orgoglioso. Gli è stato commissionato più volte da fondazioni tedesche e francesi come «Natexis» o la «Deutsche Stiftung Musikleben» per creare opere per giovani talenti. 
 Ispirazione da Stephan von Baehr liutaio 
 Come figlio di due violinisti professionisti, Stephan von Baehr ha conosciuto le richieste e le esigenze dei musicisti professionisti fin dall&#039;infanzia. Gli artisti che suonano gli strumenti di von Baehr includono solisti come Isabelle Faust e Lise Berthaud, così come musicisti orchestrali di primo piano, come il violoncellista principale della Filarmonica di Berlino Olaf Maninger. In molti concerti della Filarmonica di Vienna, riferisce Stephan von Baehr, si possono sentire sei viole del suo laboratorio. Molti musicisti di queste grandi orchestre utilizzano i soggiorni di concerto a Parigi per una visita di laboratorio per sviluppare ulteriormente il suono dei loro strumenti insieme al loro costruttore. 
 Alla domanda sulle fonti della sua ispirazione, Stephan von Baehr si riferisce all&#039;epoca di Stradivari e Guarneri, in cui sono stati sviluppati i principi dell&#039;archettitettura ideale del violino. Ha sempre in mente il loro modello, sotto forma di opere importanti dell&#039;epoca d&#039;oro della liuteria cremonese stessa, che sono regolarmente nel suo studio - non a scopo di commercio o di restauro, ma solo come indicazioni quando si lavora su nuovi strumenti. Altri sono tangibili come dettagliati calchi in silicone - una presenza della vecchia liuteria italiana direttamente al banco di lavoro che può rivendicare l&#039;unicità. Questo senso del collaudato beneficia non da ultimo la fiduciosa collaborazione che Stephan von Baehr coltiva con i suonatori dei suoi strumenti - una costellazione fruttuosa che promette molto di più a venire. 
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Con questa filosofia esigente, Stephan von Baehr si è guadagnato presto un&#039;ottima reputazione tra i musicisti professionisti e ha vinto premi tutt&#039;altro che scontati per un liutaio della sua generazione.&amp;lt;/p&amp;gt; &amp;lt;p&amp;gt;&amp;lt;strong&amp;gt;Contenuti:&amp;lt;/strong&amp;gt;&amp;lt;/p&amp;gt; &amp;lt;ul&amp;gt;&amp;lt;li&amp;gt;&amp;lt;a href=&quot;#stephan-von-baehr-educazione&quot;&amp;gt;Stephan von Baehr: Educazione&amp;lt;/a&amp;gt;&amp;lt;/li&amp;gt;&amp;lt;li&amp;gt;&amp;lt;a href=&quot;#successi-stephan-von-baehr&quot;&amp;gt;I successi di Stephan von Baehr&amp;lt;/a&amp;gt;&amp;lt;/li&amp;gt;&amp;lt;li&amp;gt;&amp;lt;a href=&quot;#stephan-von-baehr-ispirazione&quot;&amp;gt;Ispirazione da Stephan von Baehr&amp;lt;/a&amp;gt;&amp;lt;/li&amp;gt;&amp;lt;/ul&amp;gt; &amp;lt;h2 id=&quot;stephan-von-baehr-educazione&quot;&amp;gt;Stephan von Baehr: Educazione&amp;lt;/h2&amp;gt;&amp;lt;p&amp;gt;Nato a Schwerin nel 1972, Stephan von Baehr ha completato il suo apprendistato nel laboratorio di Reinhard Bönsch a Markneukirchen e ha imparato l&#039;arte della scultura in legno da Jochen Heinzmann. La caduta del muro di Berlino nel 1989 aprì opportunità inimmaginabili per l&#039;artigiano, che aveva appena completato la sua formazione, poiché ora era in grado di perfezionare le sue abilità in eccellenti laboratori europei. Tra questi, lo studio di Andreas Kägi a Berlino, dove Stephan von Baehr ha potuto studiare in dettaglio diversi strumenti Stradivari che venivano restaurati in quel periodo. Nel 1993 ha ottenuto un posto come restauratore di strumenti antichi con Bernard Sabatier a Parigi e ha superato l&#039;esame di maestro artigiano tedesco con il massimo dei voti l&#039;anno successivo.&amp;lt;/p&amp;gt; &amp;lt;h2 id=&quot;successi-stephan-von-baehr&quot;&amp;gt;I successi di Stephan von Baehr&amp;lt;/h2&amp;gt;&amp;lt;p&amp;gt;Una pietra miliare nella carriera del giovane von Baehr doveva essere il «RNCM International Cello Festival» nel 1998, in cui uno strumento di sua mano ha ricevuto il massimo riconoscimento dalla giuria di esperti di prima classe guidata da Charles Beare. Incoraggiato dagli elogi ricevuti dai suoi colleghi professionisti, Stephan von Baehr si concentrò interamente sulla costruzione di un nuovo strumento. Mise in piedi il suo laboratorio nell&#039;importante Rue de Rome a Parigi, sostenuto dal suo ex maestro Sabatier. Oltre al suo successo a Manchester, Stephan von Baehr ha ottenuto medaglie d&#039;oro e d&#039;argento in diversi concorsi internazionali di liuteria, per esempio a Salt Lake City, Portland e Cleveland; al concorso di liuteria di Mittenwald nel 2001 ha ricevuto un premio speciale per il «miglior lavoro individuale» - un onore di cui è particolarmente orgoglioso. Gli è stato commissionato più volte da fondazioni tedesche e francesi come «Natexis» o la «Deutsche Stiftung Musikleben» per creare opere per giovani talenti.&amp;lt;/p&amp;gt; &amp;lt;h2 id=&quot;stephan-von-baehr-ispirazione&quot;&amp;gt;Ispirazione da Stephan von Baehr&amp;lt;/h2&amp;gt;&amp;lt;p&amp;gt;Come figlio di due violinisti professionisti, Stephan von Baehr ha conosciuto le richieste e le esigenze dei musicisti professionisti fin dall&#039;infanzia. Gli artisti che suonano gli strumenti di von Baehr includono solisti come Isabelle Faust e Lise Berthaud, così come musicisti orchestrali di primo piano, come il violoncellista principale della Filarmonica di Berlino Olaf Maninger. In molti concerti della Filarmonica di Vienna, riferisce Stephan von Baehr, si possono sentire sei viole del suo laboratorio. Molti musicisti di queste grandi orchestre utilizzano i soggiorni di concerto a Parigi per una visita di laboratorio per sviluppare ulteriormente il suono dei loro strumenti insieme al loro costruttore.&amp;lt;/p&amp;gt; &amp;lt;p&amp;gt;Alla domanda sulle fonti della sua ispirazione, Stephan von Baehr si riferisce all&#039;epoca di Stradivari e Guarneri, in cui sono stati sviluppati i principi dell&#039;archettitettura ideale del violino. Ha sempre in mente il loro modello, sotto forma di opere importanti dell&#039;epoca d&#039;oro della liuteria cremonese stessa, che sono regolarmente nel suo studio - non a scopo di commercio o di restauro, ma solo come indicazioni quando si lavora su nuovi strumenti. Altri sono tangibili come dettagliati calchi in silicone - una presenza della vecchia liuteria italiana direttamente al banco di lavoro che può rivendicare l&#039;unicità. Questo senso del collaudato beneficia non da ultimo la fiduciosa collaborazione che Stephan von Baehr coltiva con i suonatori dei suoi strumenti - una costellazione fruttuosa che promette molto di più a venire.&amp;lt;/p&amp;gt;  &amp;lt;p&amp;gt;&amp;lt;strong&amp;gt;Articoli correlati:&amp;lt;/strong&amp;gt;&amp;lt;/p&amp;gt; &amp;lt;p&amp;gt;Liutai contemporanei - I nuovi artisti&amp;lt;/p&amp;gt; &amp;lt;p&amp;gt;Liutai contemporanei di Cina e Taiwan&amp;lt;/p&amp;gt; &amp;lt;p&amp;gt;I concorsi internazionali di liuteria in sintesi&amp;lt;/p&amp;gt; &amp;lt;p&amp;gt;Marcus Klimke: un liutaio che ha vinto molti premi&amp;lt;/p&amp;gt; &amp;lt;p&amp;gt;Jan Špidlen - Arte, innovazione e sport&amp;lt;/p&amp;gt; &amp;lt;p&amp;gt;Christoph Götting: eccellenza attraverso la tradizione&amp;lt;/p&amp;gt; &amp;lt;p&amp;gt;Patrick Robin - Un maestro dell&#039;arte e dell&#039;insegnamento&amp;lt;/p&amp;gt; &amp;lt;p&amp;gt;Samuel Zygmuntowicz: Capire lo Stradivari&amp;lt;/p&amp;gt; 
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